Присылайте ;)

Что вы написали после 40 лет

Напишите со скольки лет творите музыку ;)

Если есть самые ранние ваши  работы..присылайте тоже ;) (разместите ниже)

П.С.

В прошлом блоге музыка до 28 лет.

Размещайте, кто не разместил, послушаю ;)

promodj.com/silmi/blog/1170287…

Присылайте ;)

В любом качестве.

Понравившиеся добавлю в свое избранное

и Сделаю репост в свою группу Boogoom

Vk.com/boogoom

Если тебе и сейчас меньше 28 лет

Обозначь себя, возможно я с тобой посотрудничаю В) и не только я :)

Поделюсь одной своей. Основная тема в этой композиции создана мной в 13 лет. Оцифровано в эл.вид 20 лет назад Издала я в 2015 году альбом с ее участием.

И сейчас, уже лет 7 это самая популярная моя композиция.

РЕПЕТИТИВНАЯ ТЕХНИКА (от англ. repetition - повторение) - одна из позднеавангардных техник муз. композиции, основанная на организации статической муз. формы циклами повторений коротких функционально равноправных блоков (patterns). Различные варианты ее открыты в сер. 1960-х гг. композиторами США Т.Райли, С.Райхом и Ф.Глассом в рамках эстетики муз. минимализма. Ее истоки также лежат в музыке индонезийского гамелана и др. стран Азии и черной Африки.

Как правило, Р.т. сочетается с использованием ясного метра и тональности, чем противостоит иным авангардным техникам сочинения.

Р.т. может применяться как в свободных, близких алеаторике формах ("In C" Райли), так и в систематических, жестко структурированных постепенных процессах (изобретенная Райхом техника постепенного фазового сдвига - gradual phase shift).

Произведения репетитивной музыки созданы большей частью для малых инстр. и вок.-инстр. составов, ансамблей, руководимых композиторами, а также в области магнитофонной музыки (tape music).

Репетитивная музыка стала выражением национально-американского постиндустриального сознания и получила признание за пределами аудитории академического авангарда, соприкоснулась с традициями амер. симфонизма (Дж.Адамс), оказала влияние на джаз- и рок-музыку во всем мире.

В поставангардном тв-ве свободная репетитивность используется в сочетаниях с разл. индивидуальными стилями tape loop, neo-psychedelia, krautrock, electrobilly, tribal, hip-hop, funky, disco, groovy, space age pop, minimal wave, african, ambient, new rave, noise rock, heavy psych, progressive rock, psychedelic pop, ebm, space rock, electropunk, freak folk, electronica, rockabilly, post-industrial, psychedelia, acid-house, blues, sludge, madchester, rave, ebm, experimental и т.д.

МИНИМАЛИ́ЗМ в му­зы­ке, ме­тод ком­по­зи­ции на ос­но­ве про­стей­ших зву­ко­вы­сот­ных и рит­ми­чес­ких яче­ек – пат­тер­нов (мо­де­лей). Ими слу­жат отд. звук, ин­тер­вал, ак­корд, крат­кая ме­ло­ди­чес­кая по­пев­ка, рит­ми­чес­кая фи­гу­ра, ко­то­рые мно­го­крат­но по­вто­ря­ют­ся – точ­но и/или ва­ри­ант­но (др. назв. этой тех­ни­ки – ре­пе­ти­тив­ная). Тер­мин «М.» (англ. mini­mal music) ввёл ком­по­зи­тор М. Най­ман (1968), обо­зна­чив им ра­ди­каль­ное на­прав­ле­ние «экс­пе­ри­мен­таль­ной му­зы­ки» США, ко­то­рое воз­глав­лял Дж. Кейдж.

В ос­но­ве фи­лос. и творч. кон­цеп­ции М. – идея эман­си­па­ции зву­ка и ста­тич. вос­при­ятие вре­ме­ни, чу­ж­дое экс­прес­сив­но-ди­на­ми­че­ско­му, пси­хо­ло­гич. пе­ре­жи­ва­нию вре­ме­ни в ев­роп. муз. тра­ди­ции 17–20 вв., но близ­кое ар­хаи­че­ско­му и ср.-век. ев­роп. мыш­ле­нию, тра­диц. му­зы­ке Ин­до­не­зии (га­ме­лан), Тро­пич. Аф­ри­ки, Ин­дии.

Клю­че­вой иде­ей М. ста­ла ста­тич. про­цес­су­аль­ность, за­пе­чат­лён­ная в «вер­ти­каль­ном вре­ме­ни» (вы­ра­же­ние амер. ком­по­зи­то­ра и тео­ре­ти­ка Дж. Кра­ме­ра) и ха­рак­те­ри­зуе­мая как «на­ка­п­ли­ва­ние» (Т. Рай­ли), «по­сте­пен­ный про­цесс» (С. Райх), «ад­ди­тив­ность» (ко­гда ме­ло­ди­че­ская фи­гу­ра из 5–6 нот при­об­ре­та­ет разл. рит­ми­чес­кие очер­та­ния из-за до­бав­ле­ния или убав­ле­ния од­ной но­ты – Ф. Гласс). Ав­тор­ское «я» и идея опу­са от­ри­ца­ют­ся: про­из­ве­де­ние бла­го­да­ря за­ло­жен­но­му в не­го ал­го­рит­му су­ще­ст­ву­ет са­мо по се­бе, зву­ко­вые ком­би­на­ции соз­да­ют­ся и мно­жат­ся без вме­ша­тель­ст­ва и кон­тро­ля со сто­ро­ны ком­по­зи­то­ра.

Фор­ма в муз. М. сво­дит­ся к по­сле­до­ва­нию функ­цио­наль­но и струк­тур­но то­ж­де­ст­вен­ных еди­ниц; ре­пе­ти­тив­ность, ва­ри­ант­ность, ком­би­на­то­ри­ка де­ла­ют му­зы­ку лег­ко вос­при­ни­ма­е­мой. Муз. вре­мя-по­ток бла­го­да­ря по­вто­ряе­мо­сти и яс­ной от­сле­жи­вае­мо­сти струк­тур­ных про­цес­сов по­ро­ж­да­ет но­вый тип слу­ша­ния – со­зер­ца­ние, транс, ме­ди­та­цию. Об­раз­цы М.: «In C» Рай­ли (1964), «Piano phase» Рай­ха (1967), «Му­зы­ка в две­на­дца­ти час­тях» Глас­са (1974). В амер. М. раз­ли­ча­ют­ся пе­рио­ды: экс­пе­ри­мен­таль­ный (Ла Мон­те Янг, круг Кей­джа, Дж. Шель­си; кон. 1950-х гг.), клас­си­че­ский (1960 – сер. 1970-х гг.) и т. н. по­стми­ни­ма­лизм (с сер. 1970-х гг.). В ев­роп. му­зы­ке 1970–80-х гг. ми­ни­ма­ли­ст­ское пе­ре­жи­ва­ние вре­ме­ни со­че­та­ет­ся с ал­лю­зия­ми на гри­го­ри­ан­ский хо­рал, му­зы­ку Ре­нес­сан­са, ба­рок­ко, а так­же клас­си­ко-ро­ман­ти­че­ски­ми и ран­не­аван­гард­ны­ми идио­ма­ми.

Сре­ди ком­по­зи­то­ров – Л. Ан­д­рис­сен («De Staat», 1976; «Го­кет», 1977), от­час­ти А. Пярт («Fratres», 1977), М. Най­ман, Л. Ша­ри, Ф. Ржев­ски, В. И. Мар­ты­нов («Лис­ток из аль­бо­ма», 1976; «Come in!», 1985), Н. С. Корн­дорф («Яри­ло», 1981), А. Ра­би­но­вич-Ба­ра­ков­ский («Му­зы­ка пе­чаль­ная, по­рой тра­ги­че­ская», 1976; «La belle musique № 4», 1987). М. ока­зал влия­ние на не­ком­мер­че­ские на­прав­ле­ния рок-му­зы­ки (К. Шуль­це, Б. Ино и др.).

Большая российская энциклопедия

Прошлые блоги:

Бриколаж

promodj.com/midge.silvery/blog…

Полифоническая к.т.

promodj.com/midge.silvery/blog… Спектральная музыка 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Серийная техника, додекафония

promodj.com/midge.silvery/blog…

Гокет, хоккетинг 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Пуантилизм promodj.com/midge.silvery/blog…

Сонорика promodj.com/midge.silvery/blog…

Экмелика promodj.com/midge.silvery/blog…

Алеаторика promodj.com/midge.silvery/blog…

Атональность promodj.com/midge.silvery/blog…

 Бриколаж.

На примере творчества Майкла Наймана.

Термин «бриколаж» (bricolage) возник в начале 1960-х годов в трудах французского ученого Клода Леви-Стросса и производен от французского «bricoleur» – «мастер на все руки», «умелец».

Под бриколажем, согласно Леви- Строссу, понимается одна из моделей, лежащих в основе первобытного мышления, которую характеризует создание нового объекта из имеющихся под рукой элементов .

Действие бриколажа ученый показывает на примере структурирования ритуалов и мифов первобытных племён.

Бриколажное мышление хотя и сложилось в доисторические времена, продолжает существовать и в более поздние эпохи.

Так, по мысли Леви-Стросса, бриколаж обнаруживает себя в картинах Ф. Клуэ, архитектуре виллы Шёваль-почтальона, декорациях Ж. Мельеса к фантастическому фильму «Путешествие на Луну» и т.д..

Позже термин «бриколаж» нашел своё применение в литературоведении, культурологии, социологии и других областях.

Понятие бриколажа используется и в музыковедческих текстах, кроме того, в музыке есть сочинения, названия которых включают это слово.

Понятие «бриколаж» в отношении творчества Наймана не используется ни самим автором, ни исследователями (П. ап Сайон на страницах своей монографии лишь единожды называет композитора «бриколёром»), тем не менее, на наш взгляд, оно оказывается наиболее подходящим к определению авторской техники по ряду причин.

С одной стороны, значительная часть

сочинений композитора создана на основе переработки ранее созданной музыки: чужой или его собственной.

В своей работе британский автор обращается к произведениям широкого временного диапазона: от эпохи Возрождения и барокко до классицизма и романтизма.

Иногда им используются музыка ХХ века, поп- композиции и фольклорные источники.

С другой, обращение с заимствованиями вызывает параллели именно с бриколажем: на предкомпозиционном этапе композитором выбираются отдельные фрагменты, их обработка разными способами формирует новый опус.

Как показывает анализ, в этом процессе Найман также действует как бриколёр, чаще всего прибегая к известным приемам, почерпнутым в американском минимализме, в английских барочных вариациях на граунд-бас, в комбинаторике, в британском экспериментальном искусстве, то есть, в той музыке, которую он преимущественно изучал и исполнял.

Научная новизна исследования обусловлена следующими причинами.

Во- первых, в представленной работе впервые в российском музыкознании творчество М. Наймана рассматривается как целостное явление; во-вторых, определяется наиболее подходящий ракурс изучения его музыки, подтверждается близость его композиторской техники принципам бриколажа. Наконец, музыка Наймана вписывается в широкий культурный контекст, связывающий его творчество, с одной стороны, с традицией (опора на заимствования из классической музыки и на граунд-форму), с другой – с музыкой его современников (применение элементов минимализма и экспериментального направления). Объектом работы является творчество Майкла Наймана. Предметом – композиторская техника, сложившаяся в сочинениях британского автора, детали которой объясняются с позиций бриколажа. Особенности композиторской манеры Наймана заставили обратиться в работе к широкому кругу источников.

Знакомство с музыкой Наймана убеждает, что стилистика британского автора ярко индивидуальна и достаточно стабильна.

Это позволяет предполагать, что им найден собственный способ «делания» музыки (making music).

Его специфика связана с переработкой чужого и своего материала.

Впервые это обнаружилось в уже упомянутых пьесах 1976–1977 годов – в The Otherwise…

Хотя Найман обучался композиции с 1961 года, отсчет своей композиторской деятельности он ведет только с 1976 года, по его словам, «это был своеобразный проект [имеется в виду создание музыки к пьесе К. Гольдони], который начался с того, что я не был композитором, и привел к тому, что я им стал.

Он включал в себя период музыковедения и музыкальной критики.

Я стал композитором благодаря музыковедению, но это было необычное изучение музыки».

Waltz и In Re Don Giovanni: одна из них основана на теме вальса «На прекрасном голубом Дунае» И. Штрауса, другая – на фрагменте арии Лепорелло «со списком» из «Дон Жуана» В.А. Моцарта.

В 1980-е годы создаются струнные квартеты, опера The Man Who Mistook His Wife for a Hat, саундтреки к фильмам The Draughtsman's Contract, Drowning by Numbers П. Гринуэя и др.

Все они возникли на основе заимствованной музыки.

Примерно в это время техника Наймана стабилизируется, и её отличительной чертой становится «выращивание» нового сочинения из уже имеющегося.

Отношение композитора к заимствованиям сохраняется и позже – на протяжении 1990–2000-х годов. 

Источник:

Алексеева А.Ю.

КОМПОЗИТОРСКАЯ ТЕХНИКА МАЙКЛА НАЙМАНА Специальность 17.00.02 – Музыкальное искусство Диссертация на соискание ученой степени кандидата искусствоведения.

Прошлые блоги:

Полифоническая к.т.

promodj.com/midge.silvery/blog… Спектральная музыка 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Серийная техника, додекафония

promodj.com/midge.silvery/blog…

Гокет, хоккетинг 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Пуантилизм promodj.com/midge.silvery/blog…

Сонорика promodj.com/midge.silvery/blog…

Экмелика promodj.com/midge.silvery/blog…

Алеаторика promodj.com/midge.silvery/blog…

Атональность promodj.com/midge.silvery/blog…

Одна из моих самых любимых техник :) ♡

Полифо́ния (от поли... и ...фон), 1) вид многоголосия, для которого характерны равноправие голосов, несовпадение в разных голосах каденций, цезур, кульминаций, акцентов и др. 2)

Основанная на этом виде многоголосия область музыкального искусства («полифоническая музыка»). В развитых полифонических формах (высшая из которых – фуга) главной «строительной единицей» является тема – смысловое и структурное музыкальное целое. Повторные проведения темы обогащаются использованием имитационно-контрапунктических (имитация, стретта, сложный контрапункт) и тонально-гармонических (перегармонизация, модуляция) средств.

Начиная с эпохи барокко широко применяется разработочное развитие. Элементы полифонии заметны в фольклоре разных европейских и неевропейских народов. В истории профессиональной европейской музыки различают: полифонию Средневековья (9–14 вв.), полифонию Возрождения (15–16 вв.), полифонию Нового времени (с 17 в.).

Первые образцы многоголосия, сохранившиеся в трактатах 9 в., представляют собой органум. Высшие достижения полифонического искусства Средневековья – мотет, дискант, кондукт (см. также в статье арс антиква). Историческое значение в полифонии этого времени имеют освоение ритмического контраста голосов, опыты использования имитации, канона, возникновение остинатных форм.

Период арс нова, переходный от Средневековья к Возрождению, ознаменован ростом значения светских жанров (мадригал, качча, рондо и др.), применением изоритмии, практической и теоретической (Филипп де Витри) разработкой различных форм голосоведения. Крупнейшие мастера средневековой полифонии – Ф. Ландини, Г. де Машо.

В эпоху Возрождения искусство полифонии расцветает в Англии, Франции, Нидерландах, Италии, Германии, Испании, Чехии, Польше; это так называемая эпоха строгого письма (или строгого стиля), нормы которого определены Дж. Царлино.

Полифонические композиции сочинялись преимущественно для хора а капелла (создавалось немало сочинений с участием инструментов или инструментальных, но развитие инструментальных форм как самостоятельной области полифонии относится к 17 в.).

Основные жанры – месса, мотет, мадригал, духовные и светские песни.

Мастера строгого стиля владели всеми средствами контрапункта, разработали практически все формы имитации и канона, широко пользовались полифоническими преобразованиями (обращение, ракоход, увеличение, уменьшение).

Строгое письмо опиралось на систему диатонических модальных ладов (см. Церковные лады). Тематической основой был григорианский хорал, однако использовались и светские мелодии. В 15–16 вв. самой представительной была нидерландская школа (Г. Дюфаи, Ж. Беншуа, Й. Окегем, Жоскен Депре, О. ди Лассо, Х. Изак, Пьер де ла Рю, Я. Обрехт, Я. Аркадельт и др.). Во 2-й половине 16 в. ведущее положение заняла итальянская музыка: римскую школу возглавлял Дж. П. да Палестрина, его традиции продолжали испанцы Т. Л. де Виктория, К. де Моралес; нидерландец А. Вилларт стал основоположником венецианской школы, расцвет которой связан с А. Габриели и Дж. Габриели.

Освоение выразительности хроматики в сочинениях К. Джезуальдо и Л. Маренцио делает их провозвестниками барокко. Полифония эпохи барокко и 18 в. именуется «свободным стилем», для которого характерна возросшая индивидуализация авторских манер.

Преобладание инструментализма стимулировало развитие хоральной обработки, полифонических вариаций (в том числе пассакалии), а также фантазии, токкаты, канцоны, ричеркара, из которых к середине 17 в. сформировалась фуга.

Ладовой основой полифонии стала классическая функциональная система мажора и минора. Слияние полифонии с аккордовой гармонией в практике генерал-баса, привлечение тонально-гармонического развития, взаимодействие полифонических (фуга и др.) и гомофонных (старинной 2-частной, концертной) форм открыли перспективы дальнейшего обновления полифонии, основные тенденции которого сконцентрировались в творчестве И. С. Баха и Г. Ф. Генделя.

В музыке Баха полифония достигла высшей точки своего развития.

Мастера венской классической школы сравнительно редко писали самостоятельные полифонические сочинения, но их значение велико: они новаторски применили полифонию в симфонии, сонате и других формах, использовали полифонические средства (имитация, каноническая секвенция и др.) для разработки материала в разработочных разделах, создали смешанные гомофонно-полифонические формы и др.

В эстетической системе романтизма полифония обрела несвойственную ей ранее экспрессию, расширились представления о полифоническом тематизме (песенный у Ф. Шуберта, подчёркнуто инструментальный на аккордовой основе у Ф. Листа, А. Брукнера), усилилось влияние принципов гомофонного формообразования в фугах. Обратная тенденция связана с наметившейся ещё в 18 в. полифонизацией гомофонной фактуры (Р. Шуман, Р. Вагнер и др.). В профессиональной русской музыке самобытные полифонические формы развивались в 17 – 1-й половине 18 вв. (партесный концерт, кант и др.). Основы классической русской полифонии заложены М. И. Глинкой, который сочетал традиции народной подголосочной полифонии и профессиональной русской полифонии (М. С. Березовский, Д. С. Бортнянский) с опытом западно-европейской полифонической культуры. В русской музыке 19 – начала 20 вв. полифония отличается многообразием типов мелодики (кантилена в канонах Глинки, А. П. Бородина), симфоничностью форм (П. И. Чайковский), тяготением к монументальному стилю (А. К. Глазунов, С. И. Танеев), необычностью форм применения (М. П. Мусоргский и др.).

Традиции русской полифонии получили широкое развитие в советской музыке (Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, Д. Д. Шостакович и др.).

Усиление значения полифонии характерно для всего 20 в. Оно выражается в частом обращении к фуге, полифоническим вариациям, включении полифонических или полифонизированных частей в сонатно-симфонический цикл, сюиту, кантату, оперу. Интерес к сложной полифонической технике стимулировал неоклассицизм (И. Ф. Стравинский, П. Хиндемит).

Музыкальный язык полифонии усложнялся благодаря применению расширенной тональности, симметричных ладов (у О. Мессиана), нетрадиционных способов варьирования темы (звуковысотного, ритмического). В полифонии нашли применение особые виды ритмической техники (полиостинато, ритмические прогрессии и др.), во 2-й половине 20 в. полифония усложнилась приёмами сонорики (В. Лютославский). В музыке рубежа 20–21 вв. полифония остаётся одной из важнейших форм музыкального мышления. Как учебный предмет полифония входит в систему музыкально-теоретического образования.

Большая росийская энциклопедия

Музыка Иоганна Себастьяна Баха до сих пор является непревзойдённой вершиной полифонии — особого способа построения музыкальных произведений. П олифония в музыке — это одновременное звучание нескольких мелодий, образующих единое гармоничное целое. Такова музыка Иоганна Себастьяна Баха. Полифония в музыке часто использует имитацию, когда одна из мелодий полифонического произведения подражает другой мелодии этого произведения. В таких случаях говорят о имитационной полифонии. Кроме имитационной полифонии существуют также такие её виды как контрастная и подголосочная.

Противоположностью полифонии является гомофония, когда есть только одна мелодия, которой аккомпанируют все инструменты.

Этот вид музыкальных произведений более широко распространён.

Прошлые блоги:

Спектральная музыка 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Серийная техника, додекафония

promodj.com/midge.silvery/blog…

Гокет, хоккетинг 

promodj.com/midge.silvery/blog…

Пуантилизм promodj.com/midge.silvery/blog…

Сонорика promodj.com/midge.silvery/blog…

Экмелика promodj.com/midge.silvery/blog…

Алеаторика promodj.com/midge.silvery/blog…

Атональность promodj.com/midge.silvery/blog…