Дабы не сыпали в личку, создам отдельный блог для рецензий. Не надо слать сообщения мимо кассы, если хотите рецензию - всё только сюда.

Рецензирую предпочтительно House во всех его разновидностях. Другие стили тоже имеют немалый шанс получить рецензию если о них есть что сказать.

Отслушанные работы в блоге буду удалять. Если удалил материал, но не написал на него рецензию, значит, он ждёт своего часа или писать о нём нечего и повторно скидывать плееры и дублировать их в личку не надо.

Так же не стоит присылать стопицот плееров, выберите одну-две самых лучших работ и присылайте сюда в блог.

Не нужно расписывать целую "Войну и мир" про присланный материал, достаточно плеера и минимум инфы (лейбл, дата выхода, стилистика...)

Совсем нет желания рецензировать русскую махровую попсу. Увы

Статус рецензента накладывает на меня обязательство рецензировать миксы, но тут я внесу поправку: если вы не можете сами себе дать ответ чем ваш микс круче всех остальных, не трудитесь присылать его мне. Хорошая подборка - это лишь то, что нравится именно вам и вполне возможно, что для кого-нибудь эта подборка окажется музыкально свалкой.

Пока на этом всё, по мере поступления заявок и выявления различных девиаций в этом блоге буду добавлять и другие правила. Перед публикацией материала в данном блоге перечитывайте правила заново.

 

Примерно пять лет назад я неожиданно столкнулся с ситуацией, попасть в которую не желаю ни одному человеку, чья жизнь так или иначе связана с музыкой. Представьте себе: вы находитесь на подъеме, количество выступлений постоянно растет, также как и ваша творческая репутация, но тут – хлоп! – появляется некая проблема со здоровьем и благодаря ей вы оказываетесь на грани того, что ваша как раз пошедшая в гору карьера может закончиться в один день. Посвятив ди-джеингу 10 лет, я испытал именно это. Эта статья – моя личная история о том, что произошло и о том, как можно избежать подобных ошибок.

ТИННИТУС

Это слово из трех слогов на самом деле говорит тебе следующее: «твоя жизнь меняется». Скорее всего, большинство из вас испытывали ощущение звона в ушах после особенно громкого концерта или вечеринки. Профессиональные ди-джеи знают, что для того, чтобы этот звон прошел, может понадобиться от 1 до 3 часов, а лучшим способом избавиться от него является сон. К сожалению, для некоторых этот шум не исчезает никогда. Он звучит для них всегда, на одной ноте - всю жизнь. Именно это состояние называется тиннитус и может оно варьироваться от едва заметных тихих шумов до относительно высокочастотного звона, заставляющего людей заканчивать карьеры.

Громкость аудио-системы среднего ночного клуба может варьироваться от 100 до 115 дБ, а клуб Sankey на Ибице может похвастаться аж 120 децибелами. 

Руководство OSHA (это американское учреждение, нечто вроде Администрации по безопасности и гигиене труда - прим. переводчика) сообщает, что, уровень шума выше 105 дБ в рабочем месте является небезопасным и нахождение в помещении с таким уровнем шума в течение более чем одного часа, может привести к повреждению слуха. 115 децибел? Тогда - 25 минут максимум.

Проблема ди-джеев заключается в том, что они находятся в непосредственной близости от мониторов, как правило, возле самих динамиков, которые, в свою очередь, находятся в непосредственной близости от головы. Все это в совокупности приводит к тому, что ди-джей оказывается в зоне очень высокого звукового давления в области средних и высоких частот, что часто приводит к проблемам, если не позаботиться об этом должным образом. Что же может произойти после нескольких лет постоянной работы ди-джеем в клубах?

МОЯ ИСТОРИЯ

В конце 2007 года я был на пике карьеры ди-джея, играя 3-4 сета в неделю, путешествуя по всему миру и занимаясь делом, которое нравилось мне больше всего на свете - играя музыку. Но когда появился звон в ушах – все оказалось под угрозой. Лично мне очень повезло: у меня тиннитус проявился случайно прямо в середине недели. Внезапно, в середине дня, откуда-то возник высокочастотный звук, будто кто-то включил в моей голове синтезатор. Минуты три спустя он прекратился, но меня охватил страх: а что, если однажды он не пройдет?!

Именно этот страх, а также осознание того, что именно ди-джеинг всему причиной, заставили меня несколько изменить свой образ жизни и значительно снизить уровень шума. Это привело меня к тому, что сократил число выступлений и ограничил длину самих сетов. Конечно, когда что-то происходит против вашей воли, это очень удручает и необходимо время, чтобы смириться с этим. 

БИОЛОГИЯ

ЧТО ДЕЛАТЬ?

Да, чрезмерное воздействие шума на ди-джея может быть (и чаще всего является) причиной шума в ушах, но с этим можно бороться и если не избежать, то минимизировать большую часть рисков. Итак, вот что мы предлагаем:

1. Выключайте контрольные мониторы между сведением.

Звон в ушах вызывается постоянным воздействием шума на протяжении долгого времени. Если вы держите мониторы включенными на протяжении всего сета, уши, естественно, устают и требуют все более высокой громкости, чтобы выдавать один и тот же результат. Это однонаправленный процесс и чтобы завершить его, просто выключайте мониторы, когда это возможно. Заодно у вас будет отличная возможность послушать, как звучит основная саунд-система и, при необходимости, подправить звук.

2. Старайтесь не играть несколько дней подряд, если это возможно.

После любого сета барабанные перепонки очень устают – им необходимо время для восстановления. Несколько сетов, играемые один за другим, день за днем, лишают перепонки всяких шансов на восстановление.

3. Ограничьте максимальную длину сетов.

Наибольший ущерб своим перепонкам я нанес, играя по нескольку дней подряд 3-, или даже 6-часовые сеты. Для того, чтобы ситуация реально приобрела статус угрожающей, потребовался всего-навсего год. Лично я могу сказать, часовой сет никогда не приводит к проблемам – но после двухчасового выступления они начинают ощущаться. Для большинства ди-джеев установление предельной длины выступления – не вариант, но если у вас уже возникли проблемы, то это может быть компромиссом, который позволит вам продолжить вашу карьеру. Шансы, что вы проведете в клубе/за пультом больше часа, всегда высоки. Поэтому переходим к Пункту №4.

4. Используйте беруши.

Как насчет того, что все идеально слышать, но при этом просто снизить громкость? Разве это не прекрасный выход для ди-джея? Такая технология существует (хотя она и далека от совершенства). Многие компании производят беруши - они имеют сменные фильтры, пошагово снижающие громкость, в основном на 5,10,15 или 20 дБ.

Теоретически, такое снижение позволяет даже не искажать частотный спектр. Это очень важно, особенно, если вы являетесь лицом, ответственным за настройку звука в клубе.

На практике же я обнаружил, что звук в берушах воспринимается не совсем естественно и привыкнуть к подобному звучанию непросто. Мне все время казалось, что я слышу что-то не то и свожу не так, а другие ди-джеи чувствовали себя нормально и сводили безупречно. Ну и конечно, они являются идеальным вариантом в том случае, если вы не ди-джей, а просто любитель потусоваться. Постоянное нахождение в клубах может причинить немало вреда слуху, так что если вы действительно любите это дело – то потратьтесь на беруши. Они бывают двух видов:

• Некастомные (примерно 10-30 долларов за пару): самый популярный бренд - Etymotic;
• Кастомные (от 100 долларов и выше): сделанные по вашему индивидуальному заказу, что может потребовать поездки к отоларингологу.

Очень рекомендуем обзавестись парой хотя бы некастомных берушей, если вы еще этого не сделали. Купите их, попробуйте в деле, ощутите разницу, почувствуйте, каково это – приходить домой и не слышать этот проклятый звон в ушах!

Кастомные беруши – это почти обязательная инвестиция для артиста и многие профессиональные артисты уверяют, что это лучший способ предотвратить потерю слуха. 

Узнайте больше рекомендаций по сохранению вашего слуха (и музыкальной карьеры) по этой ссылке.

Известный продюсер размышляет о своём взлёте к вершинам славы и делится некоторыми секретами своего музыкального производства.

«Я мог бы стать величайшим в танцевальной музыке, но у меня нет песен в радиоформате», заявляет Сонни Мур, он же Skrillex. «У меня нет 3,5-минутных песен с запевом/припевом, запевом/припевом, кодой и так далее. Я не следую такому формату и никогда не буду. Я делаю музыку для себя».

23-летний дабстеп-продюсер собрал пять номинаций премии Grammy 2012. Он получил награду в номинации Best New Artist (ди-джей здесь был награждён впервые); в номинациях Best Dance Recording и Best Dance/Electronica Album (за релиз “Scary Monsters and Nice Sprites”); в номинации Best Non-Classical Remixed Recording (Benny Benassi “Cinema”) и в номинации Best Short-Form Music Video (снова “Scary Monsters and Nice Sprites”). По сути дела, Skrillex – это новое лицо танцевальной музыки. Хотя первые ростки были посажены в 90-х такими исполнителями, как Chemical Brothers, Prodigy и Aphex Twin, только сейчас андерграунд наконец-то достиг такого состояния, что легко может оспаривать пьедестал массовой популярности.

«Интересно, как далеко смогла зайти эта сцена, не предпринимая особых попыток вписаться в радиоформат. Мы совершенно не занимались маркетингом. Но что особенно круто (для всей сцены) – это то, что мы можем продать более 100000 билетов на Electric Daisy Carnival (фактически, согласно большинству оценок – 230000). Это больше, чем Coachella – и всё это танцевальная музыка. Причём, 90% исполнителей не сказать, что известны в широких кругах».

Skrillex – чрезвычайно занятый продюсер и исполнитель, к тому же, управляющий собственным лейблом OWSLA, с которым сотрудничают такие люди, как Porter Robinson, Zedd, Koan Sound, Kill The Noise и The M Machine. Но, если попытаться разговорить этого припанкованного и пирсингованного ди-джея, то, скорее всего, он расскажет про свою коллекцию редкого винила Aphex Twin, чем про то, что составляет успех дабстеп-лейбла.

Skrillex выпустил три EP - My Name Is Skrillex, Scary Monsters and Nice Sprites и More Monsters and Sprites. Его последний релиз “First of the Year (Equinox)” – это впечатляющая смесь ошеломляющих звуковых нарезок, безумных вокальных манипуляций и уникальных методов производства. Создавая басы, звучащие как рёв огненных драконов, придумывая вокальные мелодии, близкие к музыке центральноафриканских пигмеев Mbenga-Mbuti, и виртуозно размещая вокальные сэмплы, что звучат как яростная толпа, впадающая в безумие – Skrillex демонстрирует свои «устрашающие» музыкальные методы и бросает вызов общественности. И всё это достигается при помощи минимального набора инструментов.

Твоя музыка невероятно эмоциональна. Это что, такая концепция или часть производственной эстетики?

Никаких концепций. Мои песни естественны, потому что так работает мой мозг. Я просто делаю музыку, и здесь нет ничего особенного. А музыка делает меня счастливым.

Бенды и слоговые нарезки твоих вокалов делают их похожими на вокальную музыку африканских пигмеев мбенга-мбути. Она весьма странная. В 90-х годах её засэмплировали для хита Deep Forest.

Я никогда не слышал его. Стоп! Это круто. Это тоже часть моих методов: и манипуляции с вокалом, и мелодии, которые я делаю с вокальными звуками…

Ты пользуешься минимальным набором инструментов: Apple MacBook Pro, Ableton Live и несколько плагинов. Текущая конфигурация такая же?

Да, у меня тот же самый набор, или даже меньше. Я в дороге 322 дня в году. Таким образом, весь материал записывается и компонуется в нём. Я не пользуюсь MIDI-контроллером. Я всё рисую в программе – много щелчков мышью, много копирований и вставок.

Вообще, какие этапы проходит твоя музыка от первоначальной идеи до законченного продукта? Можем мы посмотреть это на примере “First of the Year (Equinox)”?

Работа над этой композицией началась тогда, когда я делал новые сэмплы барабанов… Затем, я сделал бит, пользуясь триольный свингованной сеткой (напевает реггей-подобный ритм), и добавил скрипку, используя сэмплы Native Instruments Kontakt. Потом, я начал нарезать вокальную петлю, где был записан мой голос. Я использую свой вокал в большинстве треков. К тому времени, когда дело дошло до разных мелодических вставок в песне, я уже открыл сочинённые ранее «старые» пассажи, и начал их редактировать, просто рисуя в MIDI и на лету создавая новые звуки. Через четыре дня трек был готов.

Как ты записываешь и редактируешь вокал? Какими эффектами ты его обрабатываешь, чтобы получить эти необычные высотные вариации?

При записи я иногда пользуюсь SM58-м, подключенным в звуковую карту компьютера. Я применяю разные компрессоры - PSP VintageWarmer и iZotope Ozone. Больше всего, я предпочитаю Ozone – в нём можно сделать массу всевозможных вещей. В Celemony Melodyne я делаю формантную и первичную высотную обработку. Потом осуществляется баунсинг и начинается ручная нарезка в Ableton Live с использованием его штатного инструментария для транспонирования/растяжения аудио. Именно здесь и появляются все эти безумные вещи. Я даже пользуюсь плагином Waves CLA Vocals для эффектов.

В Equinox использовано очень яркое фортепьяно. Откуда оно?

Везде играло штатное пианино Ableton; затем я просто очень сильно скомпрессировал его в Ozone. Он реально сжимает звук, почти как ресэмплинг. Иногда я делаю рендеринг в аудио…

Барабаны звучат почти как живые. Это тоже штатные звуки Ableton?

Нет, это мои звуки и горжусь ими. Я строю их с нуля, слой за слоем, главным образом из сэмплов Roland 909-го и разных акустических элементов. Неоднократно используется компрессия и рендеринг.

В некоторых местах “Equinox” начинает играть безумная чередующаяся нарезка синтезаторов, вокала и басовых рифов. Басовый риф вообще звучит как рёв дракона.

Многие басы, конечно, были сделаны в Massive. Но, самые лучшие «вокальные» басы – из FM8…

Откуда взят этот очень роковый синтетический звук? Тот, что играет пассажи, под которые девочка шевелит пальчиками в видеоклипе.

Это несколько разных синтезаторов: один из них NI Pro-53 (эмуляция синтезатора Sequential Circuits Prophet 5). У него хорошее винтажное звучание, и я смешал его с FM8 и Massive, получив новый звук со своей собственной глубиной и ароматом.

В процессе композиции ты импровизируешь с этими инструментами или пользуешься заранее подготовленными элементами?

Может один или два сделаны заранее. Но, в действительности, песня изменяется много раз, прежде чем будет завершена. В “Equinox” было испробовано много различных рифов, мелодий и звуков, прежде чем она стала тем, что есть сейчас. Даже если я начинаю с [конкретной] идеей, есть шансы, что закончу чем-то другим, что понравится мне больше.

Твои вокалы тоже изменяются в процессе работы?

Обычно, вокал остаётся без изменений. Я делаю его в первую очередь. Зачастую, я начинаю именно с вокальной мелодии.

Твои вокальные мелодии очень сильны. Почему ты избрал такой силлабический «безбуквенный» подход?

Я люблю вокалы, их интересно ресэмплировать и они звучат круто – то же самое, как если Вам нравится пианино в сэмплере. Вокальные звуки реально прикольны и игривы, и когда они порезаны как тут, то вызывают у меня что-то вроде ностальгии. “Windowlicker” от Aphex Twin – прекрасный пример этого. Это одна из вещей, которые я услышал и действительно полюбил, когда был ребёнком. Или даже “To Cure Weakling Child” из альбома Richard D. James. В этой вещи есть реально замороченные вокальные нарезки. Я думаю, что это гениально.

Ты часто используешь сверлящие звуки, чем-то напоминающие Squarepusher или Aphex Twin. Они сделаны при помощи iZotope Stutter Edit?

Нет, это 100% ручное редактирование в аудио. Всё зависит от того, к чему я иду. Все мои барабаны тоже в аудио. Я группирую их, пользуясь соответствующими средствами Ableton… Очень прикольно брать маленькие кусочки вокалов или барабанов, и перемещать их по таймлайну, одновременно изменяя высоту и прочие вещи.

В “Equinox” есть места, где происходят быстрые переключения между синтезатором, вокалом и басовым рифом. Ты можешь описать этот процесс?

Редактирование заняло много времени. Я сделал эту песню относительно быстро – три или четыре дня, включая сведение и мастеринг… Но это была трудная работа.

Где ты нашёл сэмпл “Call 911 now!”?

Этот сэмпл с YouTube. Он нашёлся случайно. Дети катались на коньках там, где это не разрешено, и вдруг, из ниоткуда выходит женщина и кричит “Call 911 now! I’m calling the police!” Если Вы слышали оригинал, то поймёте, что я должен был применить к нему тайм-стретчинг, чтобы уложить в ритм. Изначально, он был длиннее, и у него было другое чувство. После обработки он стал звучать очень коротко и безумно.

Поскольку инструментарий производства эволюционирует, как изменяется твой подход к созданию музыки?

Каждый день можно приобретать новый плагин. Но этот вопрос, вероятно, надо задавать тем людям, кто начал с ADAT’ов. Теперь доминируют компьютеры. Но я всегда работал в коробке. Когда я был молодым, то пользовался 4-дорожечным рекордером. Фактически, у него был всего один вход… Мне всегда нравится испытывать новые плагины. Даже если этот синтезатор делает то же самое, иное расположение средств управления может вдохновить на совершенно другие вещи, чем при использовании привычных инструментов.

В конечном счёте, искусство и технология становятся одним и тем же.

Это как сравнивать wavetable и FM-синтез. Вы можете получить одинаковые результаты – просто идти придётся разными маршрутами. Иногда можно придумать вещи, которые обычно не приходят в голову, когда Вы работаете в более комфортабельной среде.

Твои треки так разнообразны, так динамичны в материале и звучании. Даже в таких тонких деталях, как стрингс-пэд в конце “Equinox”.

Kontakt, baby! Я как реклама Native Instruments. Их сэмплы великолепны. Те скрипки - one-shot сэмплы. Если Вы хотите сделать пэды, можно растянуть их в сэмплере или в аудио с кроссфейдами и прочими вещами.

Какие из последних плагинов тебе нравятся?

Мне так много нужно делать. Я использую то, к чему привык, потому что я должен делать вещи быстро. На Рождество я покупаю много новых плагинов. Все говорят мне, что Sinevibes Strobe реально крут. Rob Papen Albino Red – ещё один плагин, который я люблю: это старый DnB-синтезатор, который всем нравится использовать. У него есть некоторые классные пресеты.

Почему ты любишь «Корабельный холм»? (книга Ричарда Адамса, оригинальное название Watership Down)

Это была моя любимая история, с которой я рос. Мне нравится идея об элитной группе кроликов, которая называется OWSLA (Аусла). Это армия. Потом, у одного молодого кролика было видение возрождённого мира [наверное, речь идёт о колонии]. Он тот, кто должен взять с собой всех. Это действительно красивая история. Иногда, я чувствую себя точно так же в сумасшедшей гонке по этому миру: стремительно бегущий, следующий за мечтами и создающий эту команду – нет, не солдат в военном смысле, а моих друзей по лейблу, тех, кто любит музыку. Она как семья: мы все здесь для того, чтобы усилить творческий потенциал друг друга и всегда прикрыть спину.

Почему ты организовал собственный лейбл, и что теперь требуется артисту от лейбла звукозаписи?

Раньше, чтобы сделать запись, Вам требовался бюджет и продюсер. Студии были дороги. Но теперь Вам не нужны студии, Вам не надо тратить деньги на другого продюсера. Всё, в чем теперь нуждается артист – это сцена и голос… Слушатели влюбляются в лейбл, становятся его поклонниками, потому что доверяют ему. Их каталог непрерывен и спонтанен, Вы не можете ожидать, что будет следующее. Мы реально хорошо сделали это с OWSLA. Мы удивляем релизами, и поклонники ждут каждый из них. Они доверяют тому, что мы делаем. С электронной музыкой Вам не надо тратить деньги на такие вещи, как производство, продюсирование или видео. Нужно только быть в правильном месте, где люди хотят получить музыку. [Имеется в виду живая работа].

Твои пять Грэмми – это настоящее изменение правил игры. Ди-джеи никогда раньше не номинировались в категории «Лучший новый артист». Это что, сигнал о массовом признании ди-джеев как артистов и продюсеров?

Это хороший вопрос. Реально, я не забочусь о наградах или других подобных вещах. Я знаю, что мы заслуживаем награждения хотя бы потому, что усердно трудились весь год, делая большие шоу. В этом году мы сделали 322 шоу. Я надеюсь, они рассматривают тот факт, что мы тоже артисты. Есть искусство и звукозаписи, и традиционного ди-джеинга, но всё это сливается вместе. Как Aphex Twin: его шоу удивительно, там лазеры и видео, и его эмоции, которые он туда вкладывает. Это настоящее живое выступление. Aphex и Daft Punk убрали барьеры и помогли создать основы живого исполнения электронной музыки.

Многие нынешние хиты звучат как рейв 90-х, только с более «нормальным» вокалом. Танцевальная музыка пропитала современное производство на мириадах уровней.

Наверняка. У всего, что Вы видите в форме популярного искусства, есть корни в андерграунде. Всё, что я создал, и всё, что создали люди – полностью органично. Когда я делал музыку в своей спальне, ещё не было массовой дабстеп-волны. Когда я начинал делать дабстеп, это ещё не было круто. Мы тогда могли играть дабстеп на малой громкости в дворике для курения в Cinespace (клуб в Лос-Анжелесе). Это не было круто. Люди обвиняют меня в том, что я просто запрыгнул на волну [когда эта музыка стала популярна]. Нет, это не произошло внезапно. Не было моментального освоения навыков продюсирования и синтеза. Это требует времени, многих проб и ошибок…

Какие планы у тебя и OWSLA?

У меня есть новый EP - Bangarang. Я постоянно создаю музыку, я хочу делать вещи, которые будут интересными, свежими и вызывающими. Как и вся наша команда OWSLA – мы думаем над идеями и воплощаем их. В следующем году мы сделаем пятидневные туры в Лос-Анжелесе и Нью-Йорке – от самых малых площадок - до самых больших, где ещё можно будет играть. В 2012 году будет больше моих релизов, больше совместных проектов, больше релизов OWSLA и больше концертов. Это наша цель.

Опубликовано в журнале Electronic Musician в феврале 2012 года

Перевод подготовил Бережной Вячеслав

По стилю похоже на The Qemists, особенно учитывая наличие и других их треков в других роликах игры и в самой игре. Также отдалённо напоминает Pendulum.

www.youtube.com/watch?v=iW9gut…

ну и до кучи вот:

www.youtube.com/watch?v=j4nNPL… (фоном возможно играет тот же трек)

Всем спасибо!

Привет) Решил освежить старую тему)

 

1) Учите иностранные языки: Знание хотя бы одного европейского языка (английский, немецкий, французский) сократят время вашего освоения любого софта в разы и подарят независимость от действий волонтеров-переводчиков, которые иногда снисходят до перевода мануалов и прочей полезной литературы.

 

2) Не спешите: Для начала научитесь делать медленно, но хорошо, потом, отрабатывая навыки и тренируюя слух, можно научиться делать хорошо и быстро. К примеру, банальный субтрактивный синтез - посвятите пару дней рулежке самого обычного инструмента (например, http://kunz.corrupt.ch/?Products:VST_TAL-BassLine) Попробуйте освоить каждый элемент управления, осознать, зачем он нужен; написать композицию, используя лишь этот прибор. Подобное можно повторить с любым устройством.

 

3) Забудте слово preset/patch: Постарайтесь отказаться на этапе обучения от готовых настроек. Любую идею по саунддизайну старайтесь воплотить "с нуля". Тогда в вашей голове будут формироваться определенные "цепи" устройств, пресеты в вашей памяти. Удачные пресеты собственного производства сохраняйте - это ваши достижения, личные победы и, самое главное, ценные уроки.

 

4) Музыка важнее всего: Помните, в музыке самое главное - это МУЗЫКАЛЬНАЯ ИДЕЯ! Ни железо, ни софт, ни сведение, ни мастеринг никогда не сделают хита из пустышки, лишенной идеи. Идея - это мелодия, это вокальный сэмпл, это хук (какая-либо ключевая партия, необязательно центральная мелодия) Примеры удачных идей: Mr.Oizo - Flat Beat (бит/бас/сэмпл), Sebastien Leger & Chris Lake - Word (развитие/использование в кульминации гитары), Daft Punk - One More Time (цикличность композиции/запоминающийся вокал), Ee-Sma - Speak (выразительная ритм-секция/развитие), Golden Boy with Miss Kittin - Autopilot (Nachtfahrt - remix) (бас/эффекты), Adam K & Soha - Twilight (атмосфера/гармония) и так далее. Зачастую идея в чистом виде может победить самый крутой продакшн и раскрутку, помните это.

 

5) Ограничивайте себя: Отличный способ добиться хорошего результата - ограничить себя в средствах. Например, можно отказаться от всех библиотек сэмплов или писать музыку только используя встроенные ресурсы хост-программы и т.п. Когда вы используете СЛИШКОМ много плагинов/сэмплов (попробуйте посчитать, на сколько вы "накачали" с торрентов и прочих рапидшейров, думаю, на BMW может хватить), вы перестаете ценить то, что у вас УЖЕ есть изначально. Лучше освоить один инструмент в совершенстве, чем 100 поверхностно (сравните себя с гитаристом или саксофонистом - они играют на одном инструменте десятилетиями, и многие все равно недовольны своей техникой)

 

 

 

6) Больше пойте и играйте: Музыка для человека всегда лучше, если она естественна. Если в самый тухлый хаус трек добавить живой вокал или, например, записать живую гитару, этот трек и сам "оживет". Не бойтесь экспериментировать, иногда самый дешевый микрофон и фантазия могут сделать больше, чем самые дорогие синтезаторы и DAW. Опять же, придумать мелодию или какой-то мотив гораздо проще, если просто его напеть. Попробуйте напеть мелодию, применить melodyne и распознать таким образом ноты, если не можете снять со слуха. Так можно напеть почти все инструменты в композиции!

 

7) Темплейты и организация рабочего пространства: Старайтесь подготавливать весь рабочий материал так, чтобы вам было удобно им пользоваться. Например, у меня есть папка с сэмплами. Часть из них рассортирована по разделам One-Shot, Loops, эти, в свою очередь рассортированны по категориям Drums, Basses, Synths и так далее, вплоть до сортировки бочек по типу и эффектов по длине. Конечно, это большая работа, но оно того стоит. Что же касается темплейтов, то тут все индивидуально. Когда я записываю голос, у меня всегда будет темплейт с настроенным роутингом, который позволит вокалисту слышать себя (с эффектами, если он пожелает) и музыку, а мне будет легко "отрулить" баланс.

 

8) Главное - результат: Не важно, сэмплы вы используете, лупы, синтез или еще чего пострашнее) Главное - результат. Музыка - это то, что слышит конечный потребитель, рядовой слушатель, а не то, за что можно получить недовольный смайлик от более опытного/прохаваного музыканта. На него тоже найдется управа, не думайте, что все, кто критикует вас, безупречны) Если вы предпочитаете Nexus или Fruity Loops или работаете в ACID и у вас бытовые колонки, режете чужие треки или у вас нет понятия, как правильно сводить, вы не представляете себе, что такое дизеринг, или... НО ваш результат нравится окружающим вас смертным людям - вы молодец в любом случае. Главное различие между вами и супер-мега-звездами - в количестве ваших поклонников, готовых платить за ваше творчество деньги. А чтобы его увеличить, придется поработать и над звуком, и над идеями и над всем остальным)

 

9) Ниша: Никогда не пытайтесь специально занять жанровую или стилистическую нишу, не пишите "под" кого-то, не пародируйте и не копируйте. Это можно (и нужно) делать в процессе обучения, но ваша музыка должна быть уникальной, или хотя бы должна стремиться к уникальности. Многие удивляются, когда сделав отличную вариацию в стилистике и манере любимого исполнителя и отправив получившуюся работу на лейбл, где этот самый исполнитель издается, получают от ворот поворот. Именно потому, что такой саунд на лейбле УЖЕ есть, и лейбл ищет по-настоящему новых артистов. Задавайте тренды, изобретайте звук, и если он будет по-настоящему крутым, это оценят.

 

10) Слушайте, читайте, смотрите: Чем шире ваш кругозор, тем больше вы преуспеете в творчестве. Вдохновение при этом - не самое главное. Просто любые идеи, которые переработаются вашим разумом и творческим началом, могут дать абсолютно новое знание и понимание музыки. Например, на меня сильно повлияло увлечение фантастикой и фэнтези, которое дало мне массу сюжетов и идей для композиций (например текст песни Miusha - I am lost girl, где рассказывается о маленькой девочке, которая потерялась в лесу. Второй куплет поясняет, что она не просто потерялась, а прилетела на космическом корабле и потерялась в космосе. В третьем куплете она осознает, какой это ужасный и агрессивный мир, вспоминает, что кто-то уже рассказывал ей подобное, и решает этот мир уничтожить, чтобы он вместо нее потерялся. Ну как-то так))) Никогда не знаешь, откуда придет твой новый трек)

 

 

 

11) Все всегда проще, чем вы думаете: Зачастую, когда на одну лишь бочку у вас стоит 10 различных insert-эффектов, и вы все равно недовольны результатом, проще всего отказаться от конкретно этой бочки в пользу другой. И не надо доказывать, что "эта бочка самая правильная", или "у этой бочки неповторимая динамика" или что-то еще подобное. То же самое с басом, лидом и любым другим элементом вашей композиции. Например, очень частая проблема - у бочки отличный панч (изначальная атака, удар), а хвост жиденький или попросту короткий. В этом случае проще найти взаимодополняющий сэмпл, немного похимичить с огибающими (прибрать хвост у "атакующей бочки" и прибрать атаку у "хвостатой") и просто сделать двуслойную бочку, которую будет удобно рулить.То же самое с басом или любым другим элементом аранжировки.

 

12) Найдите "рабочую лошадку": Всегда имейте под рукой инструмент, который вы знаете "на пять", и который достаточно звучит нейтрально и качественно. Для меня это VemberAudio Surge и FabFilter ONE. Меня устраивают их звук, их ресурсоемкость, их гибкость и "юзабельность". То есть если я хочу по-быстрому добавить конкретный элемент в свою аранжировку, я пользуюсь прежде всего ими. Потому что время, которое я мог бы потратить на поиск сэмпла/рулежку плохо изученного инструмента я могу потратить на совершенствование композиции в целом.

 

13) Стирайте, стирайте и еще раз стирайте: Этот совет проще всего сразу опробовать на практике - возьмите 4 дорожки (можно и больше), поставьте туда по одному лупу. У вас получится "мясная" петля, с огромным количеством конфликтных частот, со странной ритмикой и без динамики. Теперь возьмите "ластик" (или любой интсрумент, который в вашем DAW выполняет его функцию) и попробуйте в малом разрешении (например 1/16) начать стирать части, с той логикой, чтобы в конкретный момент звучал только один луп за раз. То есть получится некая хаотическая "шахматная" расстановка кусков лупов. Попробуйте потом акцентировать несколько долей путем возврата дополнительных "слоев" в вашу "мегапетлю" (просто верните парочку удаленных кусков по вкусу). И теперь сравните с исходным вариантом. Если вы все сделали правильно, у вас получится интересный и "дышащий" луп, который не будет забивать весь динамический диапазон, но при этом, будет "качать". Бочка, естественно, должна быть на отдельной дорожке и одна)

 

14) Вариации: Даже на самом раннем этапе создания композиции хорошо подумайте над вариациями ваших партий. Drum Fills, брейки, автоматизация и модуляция баса, эффекты на вокал, различные замены звуков (играл один клэп, в брейкдауне/яме/дырке/зависалове другой) и даже банальный прием из поп-музыки, смена тональности, может сработать в качестве развития вашей идеи.

15) Динамика: Очень обидно, что многие не понимают, то это такое. На самом деле все просто - упрощенно динамика это когда то громко, то тихо. То есть не ВСЕ ВРЕМЯ ДОЛБИТ, и не когда все время все тихо. Это же и относится к громкости инструментов внутри композиции - отдельные элементы должны звучать значительно тише, чем, например, бочка или вокал. В моем случае чаще всего соотношение громкостей получается таким - если бочку принять за 1, то бас будет примерно 1/2, хэт 1/3, лиды и вокальные партии 2/3, лупы 1/2, эффекты и прочий дополнительный контент 1/4. Это очень грубые соотношения, и следует учитывать, что бочка изначально у меня всегда играет с громкостью -9/-6 дБ. Таким образом в музыке сохраняется дыхание. другое дело, что в последнее время мне приходится "до одурения" жать на мастере, ибо таковы правила игры на рынке и лейблы хотят ГРОМКИЕ фонограммы...

 

 

16) Шопоголик: Убейте в себе желание покупать стаф. Если вы не уверены, что вам нужны новые синтезаторы/железки/сэмплы/софт/уши/голова и прочее, не тратьте на это деньги. Любую покупку как минимум следует трижды обдумать - поищите информацию в сети на специализированных форумах, почитайте профессиональные обзоры на независимых сайтах (лучше иностранных), посоветуйтесь с знакомыми. Если после этого вам все еще хочется купить это, езжайте в магазин, если есть возможность, и покрутите/посмотрите/понюхайте это на месте. Если такой возможности нет - закажите в магазине, и помните, что вы имеете право вернуть покупку в течении нескольких дней (точные сроки зависят как от магазина, так и от законов государства, где вы приобрели товар). И еще - б/у не означает, что товар плохой или краденый или будет хуже работать. В моей студии частенько обитают старые потертые приборчики, которые доставляют мне радость и помогают креативно работать, несмотря на царапины на корпусе и выцветшие логотипы...

 

17) Ювелирная работа: Все то, что так здорово звучит у "фирмачей" чаще всего делается кропотливо "вручную". Например sweep эффекты, различные сбивки и красивые выходы из "ям". Зачем, спросите вы, если есть шикарные сборники эффектов от Мануеля Шляйса? Объясняю - во-первых практически все сборники сэмплов - это 16-и битные файлы с "бытовой" частотой дискретизации. При изменении громкости, повторной компрессии и обработке этих "заготовок" могут вылезти нежелательные цифровые артефакты. Когда как при работе с инструментами и эффектами в "реальном времени" ваш секвенсор работает в 32-битах с плавающей запятой, то есть на несколько порядков "глубже" по динамике, и с более высокой частотой дискретизации. Вы изначально получаете максимальное качество исходника, что гарантирует высокое качество и на выходе. Естественно, если звук, который вам нужен, не столь критичен по качеству, никто не запрещает использовать немецкий vengeance саунд и иногда он даже будет к месту. Но есть еще один фактор - музыкальность и "идейность" вашей работы. И тут, скорее всего, ваш собственноручно накрученый элемент будет звучать ближе к "теме", более адекватно. Поэтому попробуйте начать с малого - научитесь делать "реверсивные хвосты". Берете сэмпл с приличным decay (временем затухания), ставите на него ревербератор с длинным и плотным хвостом (тут масса вариантов, я для таких целей часто прибегаю к d16 Toraverb, который несколько нестандартно и утрированно синтетически звучит) и перегоняете полученный элемент в аудиофайл (bounce, export - зависит от вашей программы). Потом подгружаете в проект и делаете reverse (переворачиваете задом наперед). Доработайте автоматизацией фильтра и фейдами (автоматизацией громкости) и получите достойный sweep, который будет сидеть "как родной" в вашей аранжировке.

 

18) Мелодизм до идиотизма. С распространением танцевальной музыки в бывших странах соцлагеря, особенно в России, массы людей четко ассоциируют этот вид музыки с трансом, с Тиесто, Ван Дайком и Бюреном сотоварищи. Половина этой толпы путает транс/хаус/техно между собой. И лишь несколько тысяч человек адекватно реагируют на понятия вроде "детроитское техно" и "тек-прогрессив", которые помогают ориентироваться в обилии и многообразии танцевально музыки. Но и эти люди очень часто грешат одной страшной мыслью-заблуждением - в любой танцевальной музыке обязательно должна быть мелодия. Нет, нет и еще миллион раз нет. Не в любой и не должна. Поясню сразу, что под мелодией я подразумеваю некий мотив, который можно насвистеть/напеть/наиграть одним пальцем, то есть некую монофоническую партию, без которой, например, невозможна поп-музыка. В принципе, появление танцевальной музыки с мелодией - это следствие интеграции танцевальной музыки в поп-культуру, соответственно в массовую и понятную широкой аудитории. Но если вспомнить корни этой музыки, а также обратить внимание на то, что играют/сочиняют/развивают/продают ведущие танцевальные лейблы, можно понять, что мелодия в чистом виде крайне редко встречается на рынке именно танцевальной музыки. А что же за ноты, в таком случае, играют в композициях, которые выполненны в жанрах вроде deep house, tech house, techno, progressive (классический английский прогрессив, а не голландские "поп-песеньки" радиоформата), dubstep и прочих breaks, psytrance треках? В основе этих жанров лежит гармония, то есть некая последовательность аккордов и ладов, сменяющих друг друга на протяжении квадратов или иных музыкальных фраз. Реализованна гармония в танцевальной музыке несколькими средствами - партией баса, которая чаще всего обыгрывает опорные ноты лада, партиями "секвентивных" инструментов (различные арпеджио и "зацикленные" паттерны), партиями chord инструментов (конкретно задающих аккорды и, соответственно, лад) и партиями layer или pad инструментов, которые также поддерживают основной лад. Таким образом, танцевальная композиция, которая содержит только гармонию в качестве центральной музыкальной оси имеет право существовать и быть популярной. Чаще всего такие композиции разбавляют различными выкриками, словами или иными сэмплами, которые помогут не сильно искушенному в музыке человеку ассоциировать этот узнаваемый ("фирменный") звук с конкретной композицией. Примеров тому масса - FatBoy Slim - Rockafeller Skank, Chemical Brothers - Hey Boy, Hey Girl, Laurent Garnier - The Man With The Red Face (саксофон в оригинальной версии скорее играет как секвентивный инструмент, нежели как лидирующий), Masters At Work - Work и целая куча треков, что можно услышать в клубе. Все эти сведения позволяют сделать такой вывод - если в композиции нет мелодии, не надо ее туда запихивать насильно, и, тем более, не стоит искать ее там, где ее нет. Самый простой способ, и самый верный - пригласить вокалистку/вокалиста, который напоет эту самую мелодию, как подскажет ему его/ее душа/талант/креативность и т.п. Британские ученые (;)) недавно обнаружили, что мелодия тогда близка человеку, когда наиболее напоминает интонации человеческой речи.

19) Частоты и пустоты. Ваша композиция, насколько бы вы не были талантливы, все равно, с огромной вероятностью, не сможет быть некой универсальной и всеобщей музыкой. Отсюда - доводите конкретно эту композицию до конкретно этого звука. Если вы изначально задали в композиции некую отдаленность и размытость, то подчеркните подобный саунд, подрежте высокие частоты на всех инструментах кроме хэтов и высокочастотных перкуссивных партий. Если вы хотите сделать "плоский" и сухой звук - опустите "полкой" (shelf eq) низкие частоты на басу и бочке а у остальных инструментов удалите вовсе фильтром. Но самое главное - всегда освобождайте ваши инструменты от резонирующих, звенящих частот. Проще всего это сделать так - возьмите bell-фильтр, способный работать с максимальным значением Q (резонанса). Уберите громкость вашего проекта таким образом, чтобы случайная перегрузка не уничтожила вам колонки или уши. Теперь поднимите громкость выбранной полосы на 15-20 дБ и начните медленно крутить рвбочую частоту этой полосы. Рано или поздно вы наткнетесь на звенящую, противную до рези в ушах частоту. Ее следует аккуратно вырезать на 5-15 дБ (в зависимости от того, насколько сильно частота звенит). Зачем это делать? Представьте себе, что ваш звук, имеющий резонантные частоты, будет усилен? Даже банально повесив лимитер на мастер-шину можно ужаснуться от перегрузок на этой конкретной частоте. А представьте большой зал и акустину на 200000 ватт, котора выдает все ваши косяки? Поэтому осваивайте эту технику, и вы сразу заметите, насколько лучше зазвучит ваша композиция без этих самый резонантных частот. За правило я взял два-три подобных "проколов" на инструмент (имеется в виду каждый инструмент, т.е. бочка, хэт, малый барабан в отдельности)

 

20) Эмоции: Вместо того, чтобы изливать эмоции в блогах, взаимной агрессии, бестолковых перебранках с коллегами по цеху, используйте ваш музыкальный софт для создания "эмоциональных эскизов". Пять-шесть часов работы в секвенсоре, как правило, меняют настроение с "минуса" на "плюс", а подобные зарисковки перерастают в настоящую музыку. Не "стесняйтесь" своих чувств и своего настроение, не делайте наперекор себе "добрую" и "веселую" музыку, если вам откровенно плохо. Ваши настоящие эмоции могут принести гораздо больше, чем двухнедельная студийная сессия, посвященная "вымучиванию" своего "хита номер один". Еще один неплохой вариант - вести "музыкальный дневник", то есть записывать каждый день некие зарисовки, которые будут отражать ваше состояние. Их можно будет доработать и потом, а можно и не дорабатывать, главное вы получите новый опыт и пищу для размышлений, а еще, что тоже особенно полезно начинающим саунд-продюсерам, сможете предложить подобную работу в качестве изначальной "базы" для совместного творчества.

 

 

 

21) Реверберация: Очень сильно заметно, когда композицию создает неопытный саундпродюсер, ведь он постоянно забывает (а то и вовсе не в курсе) про реверберацию. Этот эффект проще всего описать как "эффект помещения", или, если говорить более научным языком, это звуковой эффект, при котором сигнал отражается и переотражается до полного затухания, сымитированный при помощи специальных программ/устройств - ревербераторов. Условно в звукозаписи нашли широкое распространение несколько основных "типов" реверберации - hall, room, plate, spring. Все остальные разновидности (cathedral, studio, gymnasium и прочие), в основном, являются частными случаями первых четырех алгоритмов. Зачем нужно добавлять искусственно этот эффект, если среда, в которой воспроизводится звук, уже имеет естественные отражения? Например, в большом клубе или в концертном зале явно слышно, что голос (или любой инструмент), помимо основного тембра, доходит до слушателя с дополнительным объемом, с неким гулким эхо. Зачем "усугублять" эту "кашу"?  Ответ прост - чтобы музыка, где бы она не воспроизводилась (в вашем авто, в плеере, даже на мобильном телефоне), звучала со схожим эффектом присутствия. Представить это в уме достаточно проблематично, но если, к примеру, в плеере послушать какую-нибудь progressive композицию, а потом воспроизвести ее же на музыкальном центре или мониторной акустике, ощущение большого и "открытого" пространства будет очень схожим с услышанным в "ушах". В этом вся суть, но стоит отметить несколько технических и технологических нюансов. Во-первых, все ревербераторы устроены по-разному. Далеко ходить не надо - сравните звучание "штатных" ревербераторов Ableton Live и FL Studio. Обратите внимание, что даже при очень "похожих" настройках звучание отражений, получаемых при помощи этих процессоров, очень сильно разнится. Все дело в алгоритмах. На рынке цифровой реверберации давно уже есть "фавориты" - компании Lexicon и TC Electronic. Именно алгоритмы этих компаний приняты за "эталон" цифровой реверберации. Почему цифровой, неужели есть аналоговые ревербераторы? Конечно, причем звук и стоимость аналоговых приборов, как это часто бывает, во многом превосходят цифровые эмуляции этих самых приборов. Речь идет, в данном случае, о классических "пружинных" (spring) и "пластинных" (plate) ревербераторах. Эти монструозные девайсы прописались в лучших студиях мира на заре всей индустрии звукозаписи, а в наши дни, зачастую, находят применение в более современной музыке (например Robert Babicz периодически "расчехляет" свой пружинный "прибор"). Подробно узнать о различных процессорах можно в сети и в ряде книг, например в отличной книге А. В. Севашко "Звукорежиссура и запись фонограмм". По поводу практического применения - я, чаще всего, использую в проекте 2-3 процессора, которые устанавливаю на дополнительные "шины". По принципу send/return (посыл/возврат) на эти шины я отправляю практически со всех дорожек сигнал, смешивая их по определенной логике: на одной шине у меня установлен ревербератор с алгоритмом room. Данный алгоритм подразумевает большое количество ранних отражений и быстрое время затухания. Эта шина очень сильно помогает "расположить" перкуссионную часть композиции, то есть барабанную установку и дополнительные "петли". Принцип простой - бОльшую "дозу" получает "среднечастотный инструментарий", а именно группы snare, clap и tom. Эти инструменты чаще всего передают пространственность и объем ритм-секции, и вся перкуссия, сходная с этими инструментами, чаще всего подвергается сходной обработке (к примеру conga, djembe и прочие). Затем немного реверберации на "железо", то есть на hi-hat и crash/ride/splash. "Перебор" реверберации на этой группе может привести к постоянному "звону" и грязи, поэтому тут надо действовать аккуратно. Далее бочка, которая требует сааамый минимум реверберации, а иногда и вовсе может обойтись без нее. Остальные элементы ритм секции можно "приравнять" к перечисленным ранее, группируя по АЧХ и динамике. Инструменты, которые я отправляю на room-ревербератор, чаще всего имеют в своей основе некую подвижность, сходную с ритм-секцией. Например бас и sequence-элементы. Они также требуют небольшое количество эффекта, который лучше "усадит" эти элементы в общую аранжировку. Прочие инструменты и элементы аранжировки чаще всего подвергаются обработке другой шиной реверберации - hall. Этот алгоритм имеет достаточно продолжительное время затухания, "смазанные" ранние отражения и "густой хвост" из отражений поздних. Этот алгоритм наиболее актуален при использовании акустических инструментов, которые часто можно наблюдать в концертных залах, например strings, piano, organ и оркестровую перкуссию. Плюс к этому, если есть идея создать некий "отдаленный" инструмент, например гитару, которая играет "из космоса", или хор, который поет в огромном "соборе", этот алгоритм идеально подойдет. Вторая область применения - создание дополнительного "дальнего плана" в вашей аранжировке. Про "планы" и их организацию очень четко и грамотно написанно в классической книге по звукорежиссуре "The Art Of Mixing" Дэвида Гибсона (David Gibson), про них я напишу чуть позже. В этом же совете лишь упомяну еще про алгоритм plate, то есть про эмуляцию "пластинной" реверберации. Этот тип ревербератора я иногда использую для "уплотнения" вокальных партий. Попробуйте, помимо основных двух ревербераторов, добавить одну шину с алгоритмом plate, и "отправьте" на нее вашу "пачку" вокальных сэмплов, эффект не заставит себя ждать;)

 

22) Не забывайте "красить" звук: Отличительной чертой "постсоветского" саунда для меня всегда является очевидная "стерильность" всех инструментов, которая очень сильно раздражает, особенно когда слушаешь на контрасте музыку из стран, где давно есть своя "школа" звукозаписи. Послушайте американский хип-хоп конца 90-х или британский трип-хоп, послушайте датское техно или французский nu-rave/nu-disco. Записи звучат очень качественно, но при этом, есть определенное "мясо" и некая "художественная" грязь в этих записях. Все дело в том, что "там" очень редко, когда исходный сэмпл без каких либо изменений в самом звучании, доходит до конечного потребителя. Обычно звуки пропускают через ленту, или какие-нибудь олд-скульные сэмплеры (вроде E-mu или Akai) или просто через ламповые/транзисторные предусилители. Зачем, спросите вы? Для того, чтобы слегка "подкрасить" звук) Аналогию можно провести с красивой девушкой - насколько бы она не была наделена от природы красотой, она все равно упорно будет делать макияж, пускай самый незначительный, но все же. Не говоря уже о тех, кто без макияжа вообще "не существует" для мужчин. И, как в макияже, главное тут - не переборщить) Приведу несколько примеров "домашнего трекинга", остальное можно сделать методом "научного тыка", так как эти "трюки" - скорее область экспериментальная, чем академическая. Возьмите хэт, и отправьте его на шину с установленным на ней эффектом distortion, например встроенным в вашу хост-программу. Обрежьте на этой шине фильтром низкие частоты, чтобы не допустить синтезирования суб-гармоник. Ваш хэт уплотнится и обзаведется приятным "грубым" призвуком. Вторая идея - возьмите clap или snare, и пропустите через эффект понижения битности (в случае с ableton это redux, в других хостах это часто называется bit reduction/bit reducer), который выставлен на 12 bit. Ваш снейр/клэп обретет дополнительную плотность и будет звучать немного "грязнее", но при этом, скорее всего, будет лучше читаться в миксе. Третья идея - используйте немного эффекта chorus на вашей лидирующей партии, и вы получите интересный стерео-эффект, а также легкую "размытость" вашего "острого" синтетического звука, которую часто можно услышать на записях 70-х годов. Пробуйте каждый ваш исходный звук (за исключением, пожалуй, бочки) подвергать подобному "гримированию", и вы обнаружите, как ваш "пластмассовый" и скучный звук будет обрастать "мясом" и обретать уникальный характер. Не забываем резать резонансы!

 

23) Backup: Совет, который, пожалуй, должен был быть первым. Старайтесь как можно чаще сохранять ваш проект. Желательно - на отдельный жесткий диск сохранять отдельную копию. Желательно - со всеми сэмплами проекта. Желательно - со всеми версиями и edit'ами. Обязательно - с четкими и понятными вам названиями, а не 112312.cpr или trolololobubub.als. Иначе заблудитесь "в себе" и потеряете весь "креатиф".

 

24) Сэмплы: Не нужно стесняться/бояться/стыдиться/ненавидеть/игнорировать/принципиальничать при использовании сэмплов. Это основа танцевальной музыки, количество успешных композиций, где активно используются "выдранные" из контекста элементы "чужих" произведений стремятся к бесконечности, а уж о бескрайних просторах шикарных библиотек "copyright free" ("свободных от прав" или, проще говоря, бесплатных для коммерческого/публичного использования) элементов и говорить не стоит. Если вы "уже пять лет пишете без сэмплов", то я, конечно, могу только порадоваться вашей находчивости и уровеню владения техниками синтеза/мастерству в игре на живых инструментах. Вот только если у вас будет в очереди пять ремиксов в месяц, я очень сомневаюсь, что вы справитесь с такой задачей лишь "силой разума". Отсюда вывод номер один - сэмплы тупо экономят время. Затем, очень часто бывает, что в треке "чего-то нет". Мне на помощь, в таком случае, как раз приходят сэмплы. Вывод номер два - сэмплы "вдохновляют" и просто придают дополнительный объем вашему творчеству. Ну и третий вывод сделайте сами, посетив вот этот сайт.

 

25) Скажите "НЕТ" допингу: Я не пастор, не священник, и уж тем более не ваш папа/мама, но я призываю вас, не садитесь писать музыку в измененном сознании!!! Во-первых, вы обречены на неудачу. Весь процесс создания электронной/танцевальной музыки слишком кропотливый и сложный технически, под воздействием наркотиков или банального алкоголя ваше сознание будет искаженно воспринимать издаваемые вашей DAW звуки, а управление всем процессом будет осложнено дисфункцией вашей моторики. Во-вторых, вся эйфория от вашего псевдо-творчества улитучится после "отходняка", а вы будете себя тихо ненавидеть за потраченные часы, которые можно было просто провести отдыхая и наслаждаясь компанией "друзей-по-бутылке". И в-третьих, берегите здоровье, ибо от него напрямую зависит весь ваш потенциальный успех - "убитые" различными веществами люди редко способны целенаправленно развивать в себе профессиональные навыки, ценность которых отходят на второй план из-за возможности получить "легкий кайф". Поверьте, играть свой трек перед многотысячной толпой - совсем другой уровень "кайфа", тем более когда трек сделан качественно и нравится абсолютному большинству аплодирующих вам людей.

 

 

 

26) Автоматизация - залог успеха. Мысль очень проста - любой элемент в 21 веке может быть автоматизирован. Самый очевидный способ использовать автоматизацию - динамический контроль. Если проще, то это изменение громкости фейдером (или ручкой gain/trim/любой другой ручкой громкости) по ходу композиции. Например, вам нужно сделать так, чтобы вокал "въезжал" вместе с эффектом, но при этом, при стандартной статичной громкости ему не хватает громкости (особенно если первая буква в слове - согласная "в" или "м"). Используем автоматизацию в этом моменте, и всё в порядке) Автоматизация может быть задана графиком вручную, либо записана в реальном времени, что гораздо круче и веселее. Еще один отличный способ сделать трек более насыщенным, это использовать автоматизацию ручек send, которые отвечают за посыл сигнала дорожки на процессоры эффектов, установленные на return/aux дорожках. На таких дорожках можно установить ревербераторы, дилеи, хорусы, фейзеры, фленджеры и прочие процессоры, создающие некий  "спецэффект". Таким образом можно добавить намного больше жизни в композицию, сделать её более интересной и насыщенной, и не запутаться в огромном количестве эффектов на каждой дорожке. Если честно, то можно сделать нереально крутую композицию буквально из 8-10 элементов, если каждый из элементов будет автоматизирован на протяжении всей композиции. Поэкспериментируйте с различными параметрами ваших инструментов - практически все они могут быть автоматизированы! Фильтры, огибающие, тональность - всё это крайне весело, а главное, очень живо и, подсознательно, интересно слушателю. Отличным примером успеха музыки, которая сильно замешана на автоматизации, является творчество французского артиста Sebastien Leger, послушайте его работы, и обратите внимание, насколько минимальными средствами он добивается эффекта "большого" звука и интересного развития.

 

27) Параллельная обработка - и жирно, и полезно. В индустрии звукозаписи с середины 20-го века появилось некое разделение на "школы звука", одна из которых, а именно Нью-Йоркская, знаменита интересным подходом к компрессии сигнала. Этот подход состоит в идее, что компрессор используется не в качестве insert процессора, а в качестве send/return, то есть, проще говоря, устанавливается не на дорожку, где стоит сам звук, который нужно откомпрессить, а на aux/return дорожку. Таким образом можно смешивать компрессированный и оригинальный сигнал, оставляя динамику оригинала и добавляя "жир" от компрессированной версии с aux/return дорожки. Вот простой способ попробовать - возьмите ваш бас. Желательно, чтобы он был "подвижным", а-ля прогрессив или, например, фанковый. Создайте в проекте aux/return канал (в зависимости от DAW, в Logic это будет Bus на канале, в Reason это будет Aux на пульте и т.д.), и установите на него  эквалайзер и компрессор, порядок можно менять по вкусу. Отправьте на этот канал при помощи ручки send/aux, в зависимости от DAW, максимальное количество громкости (или столько же, сколько выходит с канала). Эквалайзером "разгоните" на 6-12 дБ полкой низкие частоты и также разгоните высокие, а компрессором уничтожьте звук по вкусу (например ratio 20:1, attack минимально, release минимально, threshold установить до состояния, когда будет съедаться 15-20 дБ), лучше всего, чтобы и эквалайзер, и компрессор обладали ярким характером, то есть окрашивали звук. В итоге у вас получается ужасный уберрык, который стыдно не то, что на промодж выкладывать, но и просто на харде держать. Но это еще не конец операции. Теперь уберите фейдер дорожки, на которой установлены ваши EQ и компрессор, а потом, постепенно, выводите его, пока не услышите, что к вашему оригинальному сигналу подмешивается звук return дорожки, и с этого положения фейдера снимите 1-2 дБ (дело в том, что при окончательной обработке композиции кхм,"мастеринг", кэп этот звук станет отчетливее, и тут главное не переборщить). А потом попробуйте послушать без этой дорожки и с ней, и сразу станет всё понятно. Естественно, компрессор и эквалайзер могут быть заменены любыми эффектами по вкусу, например дисторшеном или каким-нибудь иным дециматором.

 

28) Мониторы - чиво? Мониторная акустика - вечная тема холиваров и ругани на просторах интернетов. Леворадикальные Беринджеровцы против Православных Кркашников - вот тема дня на любом форуме, где обсуждают звук, причем не важно, русскоязычный он, или нет. Я не могу не коснуться этой темы, ибо тут есть несколько важных моментов, которые приходят только со временем, а именно время - наш главный ресурс. Итак, по порядку. Во-первых, если вы пишете дома в небольшой комнате, не покупайте большие мониторы (8" и больше). Мониторные АС, в большинстве своем, при равном размере гораздо громче бытовых аналогов. Это связяно с приближенной к идеалу АЧХ (амплитудно-частотная характеристика, грубо говоря показатель "честности" мониторов на частотном диапазоне), а также с тем, что у мониторной акустики звук более "сухой", более "агрессивный" в целом. Плюс, зачастую, мониторная акустика, если она активная, имеет отдельные усилители для высокочастотного и низкочастотного динамика, то есть в каждой "колонке" будет два усилителя. Во-вторых, мониторы начинают работать не сразу, и тут очень важно не попасться на распространненую ошибку покупки мониторов "влёт", то есть пришел, услышал, купил. Мониторы будут вашей долгосрочной инвестицией, они будут с каждым годом работать вс ё лучше и лучше, а точнее, вы будете понимать их всё лучше и лучше. Попробуйте узнать, на каких мониторах работают ваши любимые артисты, какие мониторы получили хороший отзыв в международной прессе. Вам будет крайне тяжело понять, насколько мониторы хороши, если у вас нет опыта работы с этим оборудованием, поэтому подсказки будут нелишними. В-третьих, не забывайте, что помимо мониторов очень важна аудиокарта, которая будет переводить цифровой сигнал из вашего компьютера в аналоговый, который и будет транслироваться мониторами. На сегодняшний день рынок подобных устройств очень разнообразный, а цены вполне адекватны, так что если у вас до сих пор нет "профессиональной" аудиокарты, лучше обзавестись ей непосредственно при покупке мониторов. Заметьте, я специально пишу - мониторы и к ним аудиокарту, так как единственная задача аудиокарты, на первых порах, это преобразование цифрового сигнала в аналог. Запись вокала и прочее в домашних условиях - вещь достаточно спорная, так как отделка помещения, покупка микрофона, и так далее и тому подобное выльется в кругленькую сумму, за которую можно пару раз в неделю арендовать профессиональную студию на пару часов, и сразу писать "на чисто" очень крутой вокал или любой другой инструмент. Итак, какие мониторы? Тут очень важно понимать, что мне приходилось работать, слушать, пробовать и т.д. огромное количество самой разной акустики самых разных ценовых диапазонов, так что мой совет будет сугубо личным и очень субъективным, но подкрепленным кое-каким опытом. Итак, из доступного по деньгам - Behringer 2030a, Yamaha MSP 5, Fostex PM-1, Alesis Monitor One, Mackie MR5/8, Blue Sky Media Desk. Всё остальное - либо сильно дороже, либо сильно меньше, либо сильно хуже. Если есть возможность послушать, слушайте. Свой выбор я уже сделал, и это мониторы компании ADAM, как я с ними не мучался, но всё же 5 лет работы на них - это уже любовь) Еще один маленький "трюк": при выборе мониторов советую руководствоваться еще одним принципом "чем мягче звучат мониторы, тем жестче звучит музыка".

 

29) Антиварез. Иногда есть вещи, которые бесплатны, но чрезвычайно круты, например восход солнца на море) В музыкальном софте - сплошь и рядом встречаются такие вот "подарки судьбы". Итак, что есть крутого и бесплатного? Во-первых, плагины компании Togu Audio Line, которые вообще. Просто поставьте, попробуйте, я думаю сами всё поймете (начните с Nois3maker). Во-вторых, для пользователей PC есть шикарные Kjaerhus Audio Classic, которые можно найти сейчас на трекерах и прочих форумах, но они и правда были бесплатными. В-третьих, картель Smartelectronix, в составе которой очень много талантливых разработчиков и очень много действительно классных плагинов (один sMe(x)oscope чего стоит!). В-четвертых, опять же PC-only, нереально мощный японский VSTi Synth1, который определенно стоит иметь под рукой. В-пятых, почти все компании имеют на своем сайте бесплатные продукты, например Voxengo или Brainworx. Ну и в-шестых, кто ищет, тот всегда найдет )))

 

30) Трек готов тогда, когда он доступен публично. То, что очень часто забывают на PDJ, и про что я не могу не написать. Вы часто видели, чтобы, например, David Guetta, или там van Buuren или еще кто публиковал трек, и потом писал - "ну какбе почти готовая версия, но несведенка и без мастеринга. зацените и плюс впеар". Было бы глупо, правда? Старайтесь сделать максимально хорошо до того, как музыка появится на вашей странице, и не отмазывайтесь - критика и подзатыльники от старших всегда воспитывают и делают вашу музыку лучше. Не бойтесь ставить точку в вашей музыке, иначе вы будете писать один и тот же трек всю жизнь.

 

 

More to come...

 

Вот как-то так) Надеюсь что-то для себя поймете, если будут вопросы - обращайтесь в личку.

 

З.Ы. Очень надеюсь, что моему примеру последуют другие артисты и поделятся советами, которые им помогли в работе.

Cheers)

З.З.Ы. Не кидайте в эту тему свои плееры. Если вы хотите, чтобы я послушал/оценил/плюсанул/отрецензировал вашу работу, лучше киньте линк в личку, и, по возможности, я обязательно сделаю все, что в моих силах)

(ГОЛОСОВАНИЕ ЗАКРЫТО!)

результаты:

Победитель:

[heroin]

Адрес: cravvling.promodj.ru

Имя: Надежда

Основной стиль: Trance

--------------------------------------------

Всем привет!

Итак общиной Промо были предоставленые следующие кандидатки:

За них можно голосовать, просто указав номер ниже. Голосование будет длится ровно 14 дней. 

 

1		DabGirl Адрес: dabgirl.promodj.ru Имя: Евгения Скоробогатова Основной стиль: Drum & Bass
2		By DeFault Адрес: bydefault.promodj.ru Имя: Алена Конюшева Основной стиль: Experimental
3		EdenLake Адрес: edenlake.promodj.ru Имя: Яна Основной стиль: Electro
4		DJ NitroLisa Адрес: nitrolisa.promodj.ru Имя: Алиса Основной стиль: Trance
5		ollfrem Адрес: ollfrem.promodj.ru Имя: Ольга Основной стиль: Instrumental
6		Sasha Volkova (Vocalist Day) Адрес: womanvocal.promodj.ru Имя: Саша Волкова Основной стиль: Progressive House
7		Mary Mercury Адрес: marymercury.promodj.ru Имя: Мария Панежина Основной стиль: Minimal Techno
8		Germany Адрес: germany-live.pdj.ru/ Имя:  Основной стиль:
9		Zloe Fly Music Адрес: zloemusic.pdj.ru Имя: Plastic Lina Основной стиль: Hard House
10		Monika M Адрес: addictedtoravefeaturing.promod… Имя:  Основной стиль: Drum & Bass
11		Katy Madness |Alice Band| Адрес: lisevna-pdj.promodj.ru/ Имя: Котова Екатерина Основной стиль: Schranz
12		Princesska.ru Адрес: princesska-ru.pdj.ru/ Имя: Елена Основной стиль: Chillout
13		Katss [bouncing tomatoes] Адрес: kitykatss.pdj.ru Имя: Екатерина Основной стиль: Vocal Trance
14		[heroin] Адрес: cravvling.promodj.ru Имя: Надежда Основной стиль: Trance

 

 

Советы по мастерингу - сведению 
Мастеринг
Введение
Вы только что закончили свой замечательно звучащий проект, прожгли болванку и с гордостью запихали ее в музыкальный центр. Все вроде бы звучит хорошо, но когда вы слушаете свой диск сразу после коммерческой записи, вы понимаете, что что-то здесь глубоко неправильно. 

Например: 

Тихое звучание 
Ваш диск звучит по сравнению с любым коммерческим как-то тихо и блекло. Добавление общей громкости и пересведение не помогают - звучание становится лишь ненамного громче. 

Скучный и унылый звук
Коммерческие диски звучат выразительно и ярко, и вы пытаетесь добиться этого приподнимая высокие частоты эквалайзером, но вместо яркости получате лишь резкое и шумное звучание. 

Тонкое звучание вокала и инструментов
Коммерческие диски звучат с полнотой, и вы знаете, что в принципе это достигается компрессией, вы включаете компрессор и крутите несколько ручек, но ваш проект начинает звучать как-то смазано. Вокал может и зазвучать с полнотой, но звук тарелок становится совершенно безжизенным. 

Вялый бас
Бас не звучит энергично. Подъем баса эквалайзером не дает желаемой энергии - звук просто становится громче и грязнее. 

Неверный стереообраз
Вы слышите каждый инструмент по отдельности, и у каждого есть свое пространство звучания, но общая картина выглядит неправильно. Коммерческие диски имеют и глубину звучания, и отчетливый стереообраз, и вы предполагаете, что простым разносом треков по каналам такого эффекта не добиться. 

Распад пространства
В каждом отдельном треке записи вы используете ревер, но все они треки звучат как набор разных инструментов каждый по отдельности. А коммерческие диски имеют общее пространство звучания, которое объединяет разрозненные части в единое целое. 

Так и должно быть . Вы все делали правильно до сего момента, просто для того, что бы получить нужное звучание необходимо сделать кое-что еще. Вам всего лишь потребуются нужные инструменты в правильном месте, и общее представление о том, как пользоваться ими. 
Мастеринг
Что такое мастеринг ?
Мастеринг - процесс подготовки записи к выпуску (производству), включает в себя следующие шаги: 

Профессиональное звучание
Основная задача этого шага - добавить финальные штрихи к существующей записи, включая выравнивание уровней и общее сглаживание (sweetening) записи, добавление именно того, что отличает хороший звук от от профессионального. Этот процесс может состоять из эквалайзинга, многополосной компресии, увеличения громкости и прочего, и по идее должен называться премастерингом, однако для простоты будем полагать, что это и есть мастеринг. 

Общая созвучность диска
Отдельного внимания требует созвучность всех треков компакт-диска вместе при последовательном воспроизведении. Ровно ли все звучит ? Все ли уровни совпадают ? Имеет ли диск свой "характер" ? В общем этот этап похож на предыдущий, однако отличие в том, что бы добиться минимальной разницы звчучания отдельных треков, что предполагает индивидуальные настройки для каждого, с учетом общей картины. 

Подготовка к тиражированию
Ну это делают на заводе . 

Аналоговое оборудование

Аналоговое звучание
Вряд ли можно однозначно дать ответ на этот вопрос, однако в общем и целом аналоговое оборудование привносит дополнительные нелинейные искажения, благодоря чему звук становится лучше (в некотором смысле). Например, любой аналоговый эквалайзер привносит небольшие поканальные фазовые задержки, и очень легко сделать высокоточный цифровой эквалайзер, не имеющий такого "недостатка". Такой прибор несомненно более точен, однако вовсе не более музыкален. Все становится еще сложнее в случае компрессоров и обогатителей (saturator). Именно эти особенности аналоговой обработки звука придают музыке теплоту, басовитость, яркость и глубину, и делают общее звучание более приятным. 

Графические средства
Некоторым звукоинженерам не нужны датчики. Им достаточно просто слышать, что бы определить и частоту, и уровень, и уровень компрессии, однако для простых смертных необходимы разнообразные датчики, вместе с положениям ручек настройки позволяющим визуально отображать вносимые в звук изменения. Тем не менее замены ушам не предвидится. 

Что нужно для мастеринга

Программы и звуковая карта.
Уже существует вагон обзоров на эту тему Однако важно отметить, что при мастеринге большее внимание уделяется приданию звучания уже готовой записи. Программы типа Wavelab, Soundforge и CoolEdit как раз предназначены для работы со стереофайлами, однако вы можете загрузить запись в одну из многодорожечных программ (Cubase, SONAR, Logic) и выполнять мастеринг там, однако предупреждаем - как раз не стоит этого делать. Первая и очевидная проблема - дополнительная нагрузка на центральный процессор, вторая - что вам придется смешивать, перезаписывать, аранжирвать и мастерить одновременно, что врядли выполнимо. 

Эффекты мастеринга.
При мастеринге обычно используется ограниченый набор эффектов: 
Компрессоры, лимитеры и экспандеры применяются для работы с динамическим диапазоном записи. Для работы с динамикой некоторого диапазона частот или инструментов необходимы многополосные динамические эффекты. 
Эквалайзеры используются для формирования тонального баланса. 
Ревер поможет добавить дополнительного блеска записи (sheen). 
Эффекты стереообраза поможет расширить пространство звучания. 
Гармонический эксайтер (exciter) поможет оживить запись. 
Максимизатор громкости позволит сделать запись громче одновременно с ограничением пиков. 
Подавители шума просто отфильтруют шум 
Порядок обработки
Мы не предполагаем, что есть единственно верная последовательность применения эффектов, однако принят такой порядок по умолчанию: 

1. Эквалайзер 
2. Ревер 
3. Многополосные динамические эффекты 
4. Многополосный эксайтер 
5. Эффекты стереопанорамы 
6. Максимизатор громкости 

Естественно, порядок обработки может быть с легкостью изменен. 

Акустика

Мониторы
Важно пользоваться приличными мониторами при мастеринге. Если ваша любимая акустическая система окрашивает звук, то вы не сможете определить, что дает запись, а что привносит акустика. 

Это не означает, что вы не сможете добиться приличных результатов на относительно недорогом оборудовании, здесь важно знать ограничения и особенности оборудования мониторинга и знать, с чем именно работать при мастеринге. 

Для студийных мониторов наиболее общей проблемой является недостаток баса, особенно на частотах 40Гц, и ниже, поскольку такие мониторы просто не имеют достаточной массы и объема, и одно из решений - дополнить их сабвуфером, однако важно сделать так, что бы сабвуфер не преувеличивал бас. 

Наушники
Наушники - еще одна возможность мониторинга. Есть куча сайтов, посвященных наушникам и их особенностям. На следующие моменты стоит обратить внимание при работе в наушниках: 
Воспроизведение баса недостаточно хорошо представлено в наушниках, потому что бас в колонках также воспринимается и как вибрация воздуха. 
Стереокартина в наушниках ВЕСЬМА отличается от картины в колонках. 
Спектр звука в наушниках сильно отличается от спектра любой акустистической системы. Предметы обстановки, ваша голова и само строение уха сильно преображают звук, что невозможно в наушниках в принципе. 
Советы по мастерингу
Перед тем как вы проведете долгие бессоные ночи, неплохо было бы запомнить и периодически вспоминать следующие вещи: 

Другой человек
Поручите мастеринг другому человеку. Это может быть проблемой, потому что в небольших студиях один и тот же человек и продюсер, и исполнитель, и звукорежиссер, и техник, но все же постарайтесь хотя бы слушать запись не в одиночку. Или делайте это по обмену - вам слишком близка ваша музка, вы слышите те вещи, на которые все остальные не обращают внимания, и наоборот, и скорее всего вы пропустите то, что сразу бросится другим в глаза. 

Прерывайтесь
Делайте перерывы и слушайте другие записи. Вспоминайте, как звучат другие композиции, освежайте свой слух. Конечно, профи точно знают, как должна звучать запись, однако всем нам полезно слышать профессиональный звук время от времени. 

Не слушайте с одного места
Меняйте точку прослушивания. Студийные мониторы весьма сфокусированы и узко направлены. Звук может значительно измениться в зависимости от точки прослушивания. Покрутитесь на месте, походите по комнате. 

Меняйте акустику
Слушайте другие мониторы и акустические системы. Прожгите болванку и прослушайте ее дома или в машине, или и там и там. Не забивайте себе голову различиями, лучше составте себе представление о том, как звучит запись на разных системах. 

Монофоническое звучание
Проверяйте монофоническое звучание. Прослушайте запись с инвертированой полярностью в одном канале. Помните, что люди могут услышать вашу запись именно так. Хотя совсем не требуется, что бы она звучала хорошо в таком виде, тем не менее было бы неплохо, если бы она вообще хоть как то звучала 

Меняйте громкость
Мониторьте при нормальном уровне громкости, но время от времени увеличивайте его. Дело в том, что когда вы слушаете на низкой и средней громкости, то средние частоты слышны лучше (именно там ухо наиболее чувствительно), а бас и высокие слышны хуже - поэтому проверяйте время от времени как звучит запись на разной громкости. 

Проспитесь
Когда вам кажется, что вы закончили, проспитесь и послушайте запись на следующее утро . 
Эквалайзинг
Эквалайзинг - самое разумное начало процесса мастеринга . Как правило всем известно, что такое эквалайзер и как он работает, но не всегда понятно, как им пользоваться для выравнивания тонального баланса записи. 

Задачи EQ при мастеренге
Тональный баланс необходим, если мы хотим получить хорошо звучащую запись. Эквалайзинг инструментов по идее должен был быть сделан на этапе аранжировки и сведения, а для всей записи мы хотим добиться естественного звучания, что намного проще сказать, чем сделать. Однако в этом процессе все же есть некоторые общие моменты. 

Принципы работы EQ
Существуют эквалайзеры разных типов, однако все они делают одно и тоже - увеличивают или уменьшают громкость группы частот. Здесь рассматриваем параметрические эквалайзеры. 

Частоты в параметрическом эквалайзере разбиты на группы, каждая группа имеет свой фильтр. Комбинируя группы можно создать бесконечное количество вариантов коррекции. 

Фильтр в группе имеет следующие параметры: Частота - частота центра группы частот. 

Q/Bandwidth - добротность фильтра, на какое количество соседних частот оказывает влияние фильтр. Чем больше Q, тем меньше частот. Gain - прирост уровня 

Выравнивание средних частот
Прослушайте запись и постарайтесь услышать возможные проблемы. Начните со средних частот (голос, гитары, клавиши и т.п.), поскольу часто именно там сердце композиции. Звучит ли она мутно (muddy), гнусаво (nasal) или резко (harsh). Сравните со звуком другой записи (коммерческой). Попробуйте для себя обозначить различия в области средних частот. 

Слишком мутно (грязно): Попробуйте прибрать частоты от 100 до 300 Гц 

Гнусаво: Попробуйте прибрать частоты от 250 до 1000 Гц 

Резко: Может быть вызвано звуками с частотой от 1000 до 3000 Гц, попробуте прибрать этот диапазон на пару децибел. 

Вполне возможно что пара фильтров в этой области помогут спасти положение. 

Вы получите более естественное звучание используя широкие фильтры с низкой добротностью (Q < 1.0). Если вы поймали себя на том, что применяете слишком узкие фильтры, или слишком уж задираете уровень, то скорее всего вы пытаетесь выправить нечто, что нельзя исправить при помощи эквалайзера. Вернитесь к сведению и попробуйте найти проблему там. 

Вдобавок, ваши уши быстро привыкнут к настройкам эквалайзера, и вы можете начать задирать частоты больше чем необходимо для того что бы услышать разницу. 

Выравнивание низких частот
Сравнивая на этом этапе свою запись с коммерческими у вас может появится желание усилить бас эквалайзером - однако воздержитесь. Запись получит четкий бас - мы сможем сделать это многополосным компрессором. 

Разумное применение эквалайзера на низких - срезать частоты ниже 30-40 герц. Хотя мы слышим частоты до 20 Гц, и при таком срезе могут потерятся некоторые звуки инструментов, но обычно басом назывются звуки в диапазоне 50-100Гц, и низкие частоты могут быть безболезненно срезаны. Таким образом можно будет убрать низкочастотное гудение и шумы, которые в противном случае повлияют на общий уровень записи. 

Помните, что на каждое действие есть противодействие. Задирая одни частоты вы можете перекрыть другие, и наоборот, понижая уровень можно подчеркнуть оставшиеся. Каждое изменение эквалайзера влияет на всю картину в целом. 

Бас-гитара и бас-барабан могут занимать весьма широкий частотный диапазон - основной тон бас-барабана сфокусирован обычно возле 100 Гц, тогда как атака того же барабана вполне может быть в диапазоне от 1000 до 3000 Гц. Иногда можно добится более четкого звучания баса эквалайзером в этом диапазоне частот, тогда как на 100 Гц можно получить муть в звуке. 

С другой стороны, если вы хотите добавить звонкость басу в стиле хип-хопа, попробуйте сделать небольшой пик на частотах 50-60 Гц. 

Выравнивание высоких частот
В последнюю очередь прислушайтесь к звучанию высоких частот. 
- Не удивляйтесь, если ваша запись звучит слегка вяло и приглушенно. Вы можете исправить это эквалайзером с низкой добротностью (в широком диапазоне частот) в районе 12-15кГц. С другой стороны, добавить яркости и блеска можно при помощи гармонического эксайтера. 
- Будьте осторожны поднимая частоты в диапазоне 6000-8000Гц, вы сможете добиться присутсвия на этих частотах, но так же возможно появление раздражающего призвука и звука "ccc" для вокала. 
- Подавление шума - отдельный большой вопрос, но иногда вы можете приглушить шипение ленты и шум прибирая частоты в от 6000 до 10000 Гц. (так же вы можете воспользоваться специальными средствами подавления шума) 
- Более приятный звук с высокими частотами, понижающимеся постепенно, с наклоном 6дБ на октаву. 

Визуальный контроль
Ключевым в выравнивании тонального баланса является визуальный контроль совмещенный с прослушиванием изменений - здесь незаменим спектроанализатор. 

Общие советы по эквалайзеру

1. Постарайтесь прибирать частоты, но не задирать. 
2. Изменение уровня более чем на 5дБ - показатель того, что скорее всего вы пытаетесь решить проблему, которую нельзя решить на этапе мастеринга. Вернитесь назад к сведению 
3. Используйте минимальное количество полос. 
4. Используйте фильтры с низкой добротностью. 
5. Срезайте частоты ниже 30Гц воизбежание гудения и шума. 
6. Выделяйте инструменты повышением уровня частот атаки, но не основного тона. 
7. Попробуйте многополосный гармонический эксайтер вместо эквалайзера на высоких частотах. Сравните эффект эксайтера и мягкого подъема частот в диапазоне 12-15кГц. 
8. Используйте и уши, и глаза. 
Реверберация
Ревер
Если вы хорошо потрудились с реверберацией отдельных треков композиции, и все вместе звучит в одном пространстве - то при мастеренинге реверберация не нужна. Однако в некоторых случаях реверберация при мастеринге может внести некоторую законченность в общую картину. Например: 
1. Живая запись. Акустическое пространство может иметь проблематичные выпадения или свойства помещения. Финальный ревер поможет сгладить эти неровности. 
2. Короткий ревер может добавить полноты к записи. В этом случае вы не добавляете пространства звучанию, а коротким ревером заполняете пробелы. 
3. В некоторых случаях все треки вместе не звучат в одном пространстве, а каждый в своем, и вместе не складываются. Ревер при мастеренге поможет склеить все это вместе - это конечно грубо - но в некоторых случаях это все, что вы можете сделать. 

Принципы реверберации
Ревер симулирует отражения звука от стен добавлением плотного эха или задержек к оригинальному сигналу. Так как стены поглощают звук со временем то задержки и отражения постепенно ослабевают. При этом количество отражений увеличивается, несмотря на то что их общий уровень снижается, и звук размывается. 

Существует много разных реверов - от тарелочных до струнных, но в случае мастеринга выделяются два: акустический и студийный. Причем это не есть тип реверберации в обычном смысле - это скорее образ мышления и отношение к реверберации. 

Акустический ревер симулирует реальное звуковое пространство. Это идеальный выбор для размещения исполнителей в виртуальной комнате. Вы сможете отчетливо услышать все призвуки помещения, а так же четкое положение каждого инструмента в комнате. 

Студийный ревер есть искусственное моделирование помещений, и хотя он и не звучит так натурально, как акустический, но повсеместно используется в коммерческих записях. Естественно он не звучит так, как настоящая комната. Но он имеет свой собственный эффект, и добавляет сочности и глянца к записи. Вы не расставляете музыкантов по комнате, но скорее добавляете размытости пространству. Вы можете перестараться и смыть всю запись в канализацию, но умеренное применение может придать недостающего глянца. 

Общие советы
Параметры студийного ревера. Размер комнаты - правильнее время затухания. 

Отключаейте ревер на мастеринге время от времени, что бы не утратить представления об оригинальном звуке. Помните, что ревер должен скорее чувствоваться, чем быть слышимым. 

Если вы хотите большего эффекта, помните, что есть несколько способов: можно увеличить уровень подмешивания, размер комнаты и ширину. 

Вы можете поменять порядок применения эффектов мастеринга. Попробуйте переставить местами ревер и многополосные эффекты. Вым может понравиться компрессированый звук с некоторым воздухом, который добавляет ревер. 

Сравнивайте с коммерческими записями, что бы добиться желаемого эффекта. 

Если вы используете широкий ревер обратите внимание на фазу сигнала, что бы запись совсем не затухла в монофоническом звучании. 
Эффекты динамики
Многополосные эффекты динамики
Применение комрессоров, лимитеров и экспандеров наиболее ответсвенный шаг в процессе мастеринга - это как раз то, что отличает любительские записи от профессиональных. Время потраченое на мастеринг динамики с лихвой окупается. 

Причины сложности:
1. Эффект весьма тонок, особенно если сделан правильно. Это не есть то, что можно услышать непосредственно, типа фдэнжера, но есто то, что чувствуется в записи. 
2. Компрессор обычно не работает все время. Так что большую часть времени вы слышите звук без компрессора. Диаграммы уровня и работы компрессора здесь практически незаменимы. 
3. Не все компрессоры одинаковы. Несмотря на то, что идея проста - понижать уровень сигнала при переходе через порог - реализация может сильно различаться. 

Применение качественного компрессора позволит сгладить все неровности звучания. 

Основы компрессии
Частая аналогия - звукотехник, который следит за уровнем сигнала и крутит ручки громкости. Насколько он их крутит - называется ratio, отношение. Т.е. отношение 3:1 означает, что если уровень сигнала превысит порог на 3дБ, то инженер выкрутит ручку так, что бы уровень превышал порог на 1дБ. 

Время атаки
Время, по прошествии которого и при превышении порога компрессор начнет действовать. Чем меньше время атаки - тем на более коротких пиках уровня срабатывает компрессор. Если вы хотите смягчить барабан, то вам нужно ставить меньшее время, но если вы хотите, что бы удары проходили неизменными - то большее. Эмперическое правило - начинайте со времени атаки в районе 10мс, и выставляйте - меньше для сильного сглаживания, больше - для слабого. 

Так же важно помнить, что малое время атаки может вызвать искажения, особенно на низких частотах. Низкочастотные сигналы имеют обычно большой период, и компрессия, действующая посреди периода звучит очень неестественно. 

Время спада
Время, через которое компрессор перестает работать после срабатывания. Начинайте со 100мс, хотя четких правил здесь нет. Главное это понимать принцип работы - слишком малое время спада может звучать неестественно, поскольку компрессор слишком быстро восстанавливает уровень, тогда как слишком большое время спада приводит к тому, что под действия компрессора попадает сигнал, который не нуждается в компрессии. 

Общая стратегия компрессии 
 Выберите отношение. В зависимости от того, какой сигнал вы обрабатываете возможные значения: o Вся запись - 1.1-2.0 o Бас, бочка - 3.0-5.0, и даже 10.0 o вокал - 2.0-3.0 - и это весьма грубые предположения. 
 Опустите порог срабатывания чуть ниже среднего уровня записи 
 Включите усиление при срабатывании, что бы видеть компрессируемый сигнал. 
 Эксперементируйте с атакой и спадом - общих правил здесь нет. 
Лимитер и Экспандер
Если вы понимаете принцип компресии, то принципиально нового здесь ничего нет. 

В простейшем случае лимитер - это еще один компрессор, предназначеный для сглаживания самых верхних пиков записи, для которых можно выставить большее отношение. 

Экспандер обрабатывает сигналы с уровнем меньше порогового, в противоположность лимитеру и компрессору. 

Три основных применения экспандера: 
 Точно так же как повысить громкость записи можно обратав ее компрессором и подняв общий уровень, также можно усилить только самые тихие участки - как раз это и делает экспандер. 
 Экспандером можно органичивать шум - т.е. те участки записи, где уровень меньше порогового отрезаются напрочь. 
 Экспандер можно использовать для "разжатия" скомрессированой записи. 
Все их вместе можно эффективно исползовать для полного контроля динамики записи. 

Все становится еще более интересным в случае применения их по отдельным частотным полосам. Основное отличие от применения ко всей записи - специфические приемы для каждой полосы. 

1. Усиление баса. В этом случае компрессор можно понимать как эквалайзер, который привязан к динамике звука - т.е. будет происходить усиление или ослабление низких частот в зависимости от текущего уровня. 

В общем, отношение компрессии для баса можно взять 4:1, но точно так же можно и попробовать более экстремальные значения. Предположим, что в записи присутсвуют и бочка, и бас. Бочка обычно имеет более короткую атаку, нежели бас - таким образом, с большей атакой компрессора будет больше слышна бочка, а с меньшей - бас. 

2. Теплота Другое применение многополосного компрессора - добавление теплоты вокалу. Общее здесь - рассматривать многополосный компрессор как эквалайзер зависящий от динамики. Диапазон частот от 125 до 500Гц как раз и придает теплоту звучанию. Попробуйте начать с установок отношения 2-3:1, слега прибрать порог и поднять усиление. 

Так же полосным компрессором можно убрать огрехи вокала - щелчки и свистящие звуки "ссс". 
 нижний диапазон - < 120 Гц может быть использован для ограничения щелчков - с относительно короткой атакой, что бы компрессор смог сработать. 
 для контроля "ссс" необходимо использовать средний диапазон частот - от 3 до 10 кГц и отношение 5-8:1, порог нужно опустить до уровня звуков "ссс" - обычно 2-6дБ, и поставить короткую атаку. 
 присутсвия вокалу можно добавить компрессируя и усиливая диапазон 4-8кГц, с небольшим отношением - 1.5-2.5:1 
 воздух и дыхание находятся на частотах выше 10кГц, компрессор можно использовать для подавления шума и шипения. 
Подавление шумa
Использование многополосного экспандера позволяет контролировать шум на каждой полосе. Наилучшая стратегия - зациклить некоторый кусок записи, содержащий шум, и выяснить, на каких частотах шум, затем подобрать полосу так, что бы его накрыть, поставить большое отношение и подобрать порог. 
Многополосные эффекты
Применение эффектов мастеринга на разных полосах позволяет достичь самых разных результатов - например, скомпрессировать только бас, или расширить стереобазу только для средних частот. 

Основне принципы
Каждый эффект применяется независимо на каждой полосе. Каждая полоса соответсвует музыкальному диапазону записи - бас, средние, воздух и т.п. 

Многополосный гармонический эксайтер
Эксайтер применяется для придания яркости записи. Его обычно можно услышать на множестве поп записей, особенно в 80х, и сегодня используется широко. Начинающий обычно пытается добиться этого эффекта задирая высокие частоты. Эксайтер в озоне моделирует эффект насыщения в лампах, который добавляет неожиданно музыкальные гармонические искажения к звуку. 

Очень легко перебрать эксайтер. Вы можете поймать себя на том, что повышаете и повышаете эффект - но сравнивайте звук с коммерческим, что бы понять, где отличие. Послушайте запись с эксайтером некоторое время - эффект не должен вызывать раздражения. 

Общие советы: В большинстве случаев достаточно эксайтера на высоких частотах. Эксайтер на низких может прибавить чуть-чуть грязи басу, гранжа. Попробуйте попереставлять местами многополосные эффекты. 

Стереообраз
Проектируя озон мы переслушали кучу записей с mp3.com, и несмотря на то, что некоторые из них весьма хорошо сделаны, можно сделать вывод об одной общей проблеме - стереообраз. И это действительно непростая задача. Достаточно сложно получить звук, который сохранял бы и пространство, и стереообраз. Вторая проблема - то что многие коммерческие записи имеют расширеную стереобазу - и этого эффекта нельзя добиться другими средствами. 

Принцип действия этого эффекта очень прост - усиливается разница между каналами. 

Многополосный стерео дилэй
Известно, что для того что бы звук шел справа, надо усилить правый канал. Но есть и другой фактор - задержка. Звук справа доходит до правого уха быстрее, чем до левого. Если создать эту задержку искусственно, можно более точно расположить звук в стереопространстве. 

При мастеринге живой записи с двух микрофонов этот эффект можно использовать для позиционирования звука без использования баланса. 

Общие советы: Лучше расширять стереобазу больше на высоких частотах Можно уменьшить стереобазу для размещения звука по центру. Мониторинг в наушниках дает неверное представление. Позиционируйте инструменты на на низких частотах при помощи задержек. Несмотря на то что расширение стереобазы и стереозадержки имеют разную природу, они дают один эффект. Проверяйте монофоническое звучание. 
Максимизатор громкости
Максимизатор громкости
Одна из основных проблем самодельных записей - недостаточная громкость. Вы подготавливаете диск, прожигаете его, вставляете в любимый музыкальный центр - и ваша запись не идет ни в какое сравнение с коммерческими дисками. Вы прибавляете громкость, но происходит просто перегруз системы. 

Дело все в максимизаторе громкости. Помимо всего прочего, он вполне может добавить полноты и глубины музыке. Однако коммерческие записи нацелены более на громкость, нежели на полноту, и средний уровень коммерческих дисков доведен до предела в последние годы. Что бы быть на этом же уровне - как раз и существует максимизатор громкости. Применение его без преувеличений позволит добавить полноты звуку. 

Принципы работы: Большая часть звуковых редакторов имеет функцию нормализации - вся запись просматривается на предмет обнаружения максимального уровня, и затем усиливается так, что бы пик приходился на 0 дБ. Но этого недостаточно. Однако если ограничить пики некоторым уровнем, то среднюю громкость звучания можно будет поднять без проблем. 

Сложность здесь заключается в разработке алгоритма, который позволил бы ограничить пики без добавления артефактов звучанию. 
Словарь
mastering - мастеринг 
broad equalization 
multiband compression 
harmonic excitation 
loudness maximization 
multiband - многополосный 
tonal balance - спектр 
mud - грязь 
dull - вяло, скучно, уныло 
muffled - приглушенно 
sparkle - искорка, блеск 
decay - Выпадение, затухание 
lush - сочный, буйный 
sheen - сияние, лоск, глянец 
attack - Атака 
release - спад 
saturator - обогатитель

Итак, прошел ровно год с тех пор, как я в своем блоге начал отбирать для блока ANDY STOCK FEAT на главной странице сайта, материалы, которые мне нравятся. Это были треки и ремиксы разных направлений и качества, но все они неизменно играли в моем плеере на рипите часами.

 

За это время 53 счастливчика получили свою возможность оказаться на главной странице PROMODJ и привлечь внимание к себе и своему творчеству (не все из них через мой блог, некоторых я просто случайно находил) и мне кажется, что эту традицию стоит продолжить.

 

Старый блог за этот год стал слишком тяжелый, потому я решил создать новую запись и собирать ваши материалы уже здесь.

 

Правила все те же: размещайте в этом блоге свои лучшие треки и ремиксы в качестве от 192 кбпс и, как минимум, в радио-версии. Стиль практически не имеет значения - шансы есть как у chillout'a, так и у d'n'b.

 

Пожалуйста, не сбрасывайте сюда все подряд, речь идет только о реально клевых материалах, детально проработанных, отмастеренных, с целиком завершенной идеей. Демо-версии, обрезки на 2 минуты и миксы кидать так же не надо.

 

Материалы, которые мне понравятся больше всего, я буду на неделю размещать в блоке ANDY STOCK FEAT и ставить в ротацию на PROMORADIO.

 

UPD: Внимание! Треки и ремиксы, которые участвуют в конкурсах, по понятным причинам не принимаются. Материалы, запрещенные для скачивания, так же не принимаются.

 

Ну что, погнали?:)

Label was founded by the famous Ukrainian sound-producer and DJ BELUY. White Storm Records - a new label, which is expected a number of interesting releases. Prefers the more rare and exclusive in style compositions, giving them the opportunity to conquer the clubs and open-airs, and, of course, the hearts of listeners. In style label is divided into two sublabels: 1. Underground Side: sublabel, whose style is Drum & Bass and its subtypes (such as Neurofunk, Jump Up, Trancestep), Hardcore (Terrorcore, Happy Hardcore), Hardstyle, JumpStyle, Breaks (Breakbeat, Progressive Breaks, Freestyle Breaks); 2. Club Side: Uplifting Trance and Progressive, Psychadelic / Goa Trance, Dancecore, Electro (preferably Progressive) Label is aimed at publication tracks, remixes, compilations and mixes. Demo can be sent to the post: White_Storm_Records@bk.ru Distribution: Junodownload Audiojelly Track It Down DJDownload Digital Tunes (and other) With authors of tracks that are suitable, will be contacted soon! (С авторами треков, которые подходят, вскоре свяжутся!)